Jazz

El jazz (pronunciacion en ingles: /dZaez/; AFI: [/jas/] en espanol)^[1] es un genero musical estadounidense nacido a finales del siglo XIX en las comunidades afroamericanas de Nueva Orleans,^[2] Luisiana, que se expandio de manera mundial a lo largo del siglo XX. La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el termino se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de musica clasica), el jazz es en realidad una familia de generos musicales que comparten caracteristicas comunes, pero no representan individualmente la complejidad de genero como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como musica de fondo para reuniones o como musica de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un angulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepcion por parte del publico.

Si bien el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales variando con la mezcla de culturas, y ya desde la decada de 1920 ha sido ejecutado por musicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de musicos con mas exito comercial,^{[nota 1]} que los aficionados y la critica han considerado subproductos alejados de la tradicion, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de musica negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus mas notables representantes.^[3]

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenomeno del jazz, el critico y estudioso aleman Joachim-Ernst Berendt, en su obra clasica El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock, senala:

El jazz es una forma de arte musical que se origino en los Estados Unidos mediante la confrontacion de los negros con la musica europea. La instrumentacion, melodia y armonia del jazz se derivan principalmente de la tradicion musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la produccion de sonido, y los elementos de armonia de blues se derivan de la musica africana y del concepto musical de los afroamericanos.^[4]

El mismo autor continua describiendo tres elementos basicos que distinguen el jazz de la musica clasica europea:

• Una cualidad ritmica especial conocida como swing.
• El papel de la improvisacion.
• Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los musicos ejecutantes.^[4]

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple musica de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado tambien las actitudes hacia esta musica: en 1924 un periodista del New York Times se referia a ella como <>, mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de America declaraba al jazz como un <> y como un <>. Se ha senalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovacion, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta musica, dirigiendo su evolucion y caracterizando la obra de sus artistas mas destacados al lado de una rama mas tradicionalista.

Paralelamente a esta dicotomia entre la innovacion y la tradicion, el jazz se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequena pero selecta audiencia y otros que han dirigido sus esfuerzos a una audiencia mas amplia.^[3]

Aunque no parece existir un acuerdo definitivo en cuanto al origen y significado exactos del termino jazz, algunos historiadores situan su origen alrededor de 1912, e indican que procede de la jerga de los periodistas deportivos de la Costa Oeste de los Estados Unidos, quienes utilizaban el termino en sus comentarios dedicados a la Pacific Coast League, una liga menor de beisbol, para referirse a la energia y vitalidad de los jugadores del San Francisco Seals. El ejemplo mas antiguo de este uso del termino, encontrado por el bibliotecario de la Universidad de Nueva York George A. Thompson, Jr. en 2003, aparecio en Los Angeles Times el 2 de abril de 1912, en una referencia al lanzador de Portland Beavers, Ben Henderson, donde este afirmaba:

La llamo la "pelota jazz" porque "tiembla" y, simplemente, no puedes hacer nada con ella.^[5]

A partir de 1913, en una serie de articulos de E. T. "Scoop" Gleeson para el San Francisco Bulletin, aparece ya el termino jazz de forma mas habitual, aplicado a la musica. La referencia mas antigua de su uso musical, corresponde al 3 de marzo de 1913 y en ella el termino se utilizaba con un sentido negativo. Tres dias mas tarde, el 6 de marzo, Gleeson uso el termino de forma mas exhaustiva cuando al resenar el tipo de musica ejecutada por una orquesta del ejercito, senalo que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.^[6]

Sin embargo, no fue hasta 1915, en Chicago, que el termino comenzo a usarse completamente para definir un tipo de musica. Para finales de 1916 y principios de 1917 el uso del termino estaba ya bastante extendido. La primera vez que se utilizo la palabra jazz en Nueva Orleans (tambien escrita jas o jass en los comienzos) fue en el Times-Picayune el 14 de noviembre de 1916, un hecho que fue descubierto por el lexicografo Benjamin Zimmer, en 2009.^[7]

No obstante, muchos estudiosos creen que el termino tiene una raiz fanti (Africa occidental) y se refiere al acto sexual o relativo al amor.^[8]

Medio siglo despues de la fundacion de la ciudad de Nueva Orleans, Francia la cedio en 1764 a Espana para recuperarla nuevamente en 1801. Dos anos mas tarde, en 1803, paso a ser parte de Estados Unidos como consecuencia de la compra de la Luisiana.^[9] Por ello, los franceses y espanoles, junto a alemanes, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses contribuyeron en la formacion de la escena cultural de la ciudad.

La procedencia de los habitantes de raza negra era diversa, siendo mayoritariamente de la zona occidental de Africa o del Caribe. Es en este heterogeneo contexto cultural donde tuvo su origen la aparicion de estilos musicales tan diversos como el jazz, la musica cajun, el zydeco o el blues.^[10]

En muchas areas del Sur de Estados Unidos el batir de tambores estaba prohibido por la ley y en zonas como Georgia se prohibio el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos.^[11] Sin embargo a comienzos del siglo XIX los festivales con musica de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia tanto en Nueva Orleans, en la Plaza del Congo,^[12] como en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis.^[13] Se usaban instrumentos de percusion y de cuerda similares a los utilizados en la musica africana indigena.^[14]

Los esclavos solian tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de jazz.^[14] Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo con canciones o gritos de campo, o para rituales. La caracteristica principal era su gran riqueza ritmica.^[15] La tradicion africana hacia uso de melodias simples y de tecnicas de musica de llamada y respuesta. Estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armonicos procedentes de la musica europea.^[16] Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatonicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz.^[17]

Los estamentos eclesiasticos intentaron controlar la musica de los esclavos obligando a las personas de raza negra a que cantasen salmos e himnos para <> a estilos musicales mas europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Alan Lomax, erudito de la musica afroamericana, comento: <himnos de los negros como misteriosa musica africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces, obteniendo increibles armonias, en las que cada cantante hacia variaciones de la misma melodia. El resultado fue una musica potente y original como el jazz, pero profundamente melancolica, ya que la cantaba gente muy presionada>>.^[18]

El blues es un genero musical que aparecio en la segunda mitad del siglo XIX en las ciudades del sur de Estados Unidos, directamente derivado de los hollers o shouts y las work songs de las plantaciones de algodon. Es una musica, pues, de origen africano y caracter social.^[20]

Al contrario que las antiguas canciones de trabajo o gritos de campo llenos de ritmo y disciplina, representaba el desahogo del interprete, a quien permitia mostrar su dolor, opresion, deseos, etc.^[21] Ello ha llevado a algunos autores a considerar al blues como la primera musica de origen africano plenamente americana.

El etnomusicologo Gerhard Kubik afirma que ciertos elementos del blues tienen sus raices en la musica de los paises islamicos de la parte central y occidental de Africa:

Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de Africa), estaban generalmente permitidos ya que los duenos de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violin. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podian hacerlo con mayor libertad. Este tipo de musica solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo arabe-islamico basado en la huella que el islam ha impreso durante siglos en Africa Occidental

Gehard Kubik^[22]

El blues, como estructura musical, adopto un formato de doce compases que depende de armonias tonicas y acordes dominantes y subdominantes, ademas de la utilizacion de la llamada nota de blues.^[21] Este formato era extrano para los musicos de tradicion europea, sobre todo por la longitud del mismo. Pero los musicos de blues, con sus raices en las canciones de trabajo y otras musicas del tipo call and response, estaban acostumbrados a estos patrones asimetricos.^[23]

El papel del blues en la historia del jazz es esencial, conformandose como la <> de este.^[24] Como genero desarrollo su propia historia y sus propios estilos, en ocasiones fusionados con el mismo jazz, pero como <> ha integrado el repertorio basico de todos los estilos de jazz que han existido.^[25]

Los primeros musicos reconocidos de blues fueron Charlie Patton, Blind Lemon Jefferson, Son House, Robert Johnson o Leadbelly, entre otros.^[21] Robert Johnson sigue siendo el mas conocido de los cantantes de delta blues del Misisipi, a pesar de que no llego a vender muchos discos hasta su muerte en 1938.^[23]

En el ultimo tercio del siglo XIX, y debido a una serie de factores de tipo social y economico muy similares a los que darian lugar al nacimiento del jazz en Nueva Orleans, se desarrollo en la ciudad de San Luis, Misuri, un estilo musical, usualmente considerado como pianistico, que se conocio como jig piano style y, mas tarde, a partir de 1879, ragtime, es decir, ritmo roto o sincopado.^[26]

Su consideracion como musica para piano deriva de las partituras publicadas a partir de 1897, que se editaban para ese instrumento, y del hecho de que, en una epoca en que no se realizaban aun grabaciones, los rollos de pianola permitian recoger las interpretaciones pianisticas. Pero, en realidad, se trato de un genero ampliamente utilizado como musica de orquesta.^[27] Respecto a su papel en la formacion del jazz primigenio, suele considerarse como fundamental.^[28]

El estilo pianistico se caracterizaba por el rigido y solido marcaje del ritmo con la mano izquierda, mientras la derecha marcaba la melodia, de forma muy sincopada, con influencias de los ritmos de banjo de las plantaciones del sur de Estados Unidos^[29] Se trataba de una musica "compuesta", esto es, no improvisada, y se nutria de formas clasicas como el minueto o el vals,^[24] organizadas en varias partes o secciones de 16 compases, cuya tematica melodica podia ser totalmente independiente.^[26] Esto ha llevado a muchos autores a considerar que el ragtime es uno de los primeros ejemplos de musica especificamente americana.

La primera partitura de ragtime se publico en 1897 y su autor era el musico blanco William H. Krell, aunque ya desde mucho antes se tocaban rags en los espectaculos de minstrel, confundidos con frecuencia con los cakewalks.^[30] Aunque en algunas ocasiones se incluye al ragtime en la linea directa del jazz como primera manifestacion del mismo,^{[nota 2]} <jazz segun ambas musicas fueron desarrollandose>>.^[27] La gran figura del rag fue Scott Joplin, cuya forma de tocar se conoce por haber sido profusamente trasladada a rollos de pianola, aunque tocaba frecuentemente con bandas. Ademas de Joplin, pianistas de ragtime clasicos fueron Tom Turpin, James Scott, Louis Chauvin o Eubie Blake.

Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesion hasta el fin del siglo XIX, ya existian algunas bandas que tocaban un jazz rudimentario, como las de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans,^[31] suele considerarse a Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de jazz.^{[nota 3]}

Convencionalmente se denomina <> a esta forma inicial del jazz. Aun no se habia desprendido de las influencias del minstrel y contenia todas las caracteristicas propias del hot. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existian. De hecho los solistas elaboraban largas variaciones melodicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rapidos. Las bandas eran ambulantes y solian preferir interpretar espirituales, ragtimes, marchas y cantos de origen afrocubano.

El peso sonoro y conceptual de la musica recaia en la corneta que era quien desarrollaba las melodias, apoyada por el trombon y el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodia base. Es lo que Peter Clayton llama <jazz de Nueva Orleans>>.^[32] El resto de los instrumentos (usualmente banjo, tuba, caja y bombo, aunque paulatinamente fueron introduciendose el contrabajo, el piano y la bateria) tenian una funcion meramente ritmica. En ocasiones se usaba el violin como complemento en la seccion de metales.

Fue una escuela de bandas celebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de John Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900-1909), y otras de renombre historico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompetista Papa Celestin, esta anterior al cambio de siglo. Tambien estaban las bandas del cornetista Papa Mutt Carey, que se considera como el introductor de la sordina de <> (plunger) y su tipico efecto de wah-wah, y que tenia a Sidney Bechet en el clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole Orchestra, etc.

A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron mas las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras ritmicas menos "africanas".^[33] El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos tecnicos", con melodias mas pulidas y armonias "limpias".^[34] Ademas, se introdujeron el piano y el saxofon, y se desarrollaron tecnicas instrumentales nuevas, como el estilo tailgate de los trombonistas.

Sus principales figuras fueron, en una primera epoca, el baterista Papa Jack Laine, que se reputa como el <Dixieland>>;^[35] el trompetista Nick La Rocca y sus Original Dixieland Jass Band; los Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. En la decada de los 40, el Dixieland disfruto de un poderoso revival, obteniendo exito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y aun hoy en dia existen bandas con nombres como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.

El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los musicos de jazz de la zona, pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de musica en vivo.^[36] Este hecho inicio la gran migracion de los musicos de jazz hacia las ciudades del norte, y especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna,^[37] con una poderosa escena de blues y ragtime, desde una decada antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, se trasladaron a la <> y grabaron alli sus primeros discos, a comienzos de la decada de 1920.

En Chicago se desarrollo un estilo mas crudo y dinamico, con un lenguaje escueto y laconico, desbrozado de adornos, economico en recursos, banado <hot>>.^[38] El sonido perdio plasticidad al ajustarse la afinacion por influencia de los musicos blancos y abandonarse la desincronizacion propia de la ritmica africana pero, por el contrario, se desarrollo enormemente el concepto de improvisacion individual y las melodias paralelas, dejando los pasajes polifonicos para el ciclo final (sock chorus). El material tematico tendio hacia un abandono de los rags y stomps y su sustitucion por blues y canciones de influencia europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta epoca es la de la explosion del llamado <>, con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de jazz en sustitucion del tradicional acompanamiento de guitarra o piano solo.

El estilo de Chicago se desarrollo como consecuencia de la conjuncion de los musicos negros de Nueva Orleans y de jovenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos,^[39] y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentacion tipica, al comenzar a asentarse el saxofon. Un buen numero de musicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como figura mas relevante, Bix Beiderbecke.

Desde muy temprano, el jazz se introdujo tambien en Nueva York, inicialmente a traves de los pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie en los honky tonks, como James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero tambien gracias a bandas, como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students", dirigida por Will Dixon y Will Marion Cook, en epoca tan temprana como 1905.^[40]

Algunos autores destacan tambien el papel que musicos como Nick La Rocca o el baterista Louis Mitchell, originario de Filadelfia, tuvieron en la extension del jazz en la ciudad.^[41] Sin embargo, el verdadero estilo de Nueva York, o High brow, como se le denomino en su momento, comenzo con la orquesta de Fletcher Henderson, en la que tocaron todas las grandes figuras del jazz de los anos 1920. Seria precisamente Henderson quien mejor represento la nueva forma de tocar un tipo de jazz estilizado, menos localizado y mas universal, <hot>>.^[42]

Pero la escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyeccion aun, Duke Ellington, procedente de Washington D. C., que alcanzo gran fama con sus sesiones en el Cotton Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilo fueron Red Nichols y sus "Five Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman, asi como la banda del pianista Sam Wooding o la del panameno de nacimiento, Luis Russell. El estilo de Nueva York, con el impulso que supuso a las big bands, fue la corriente principal de desarrollo del jazz a finales de la decada de 1920, desembocando en el swing.

En el ultimo tercio de la decada de 1920, los estilos de two beat habian agotado sus posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una nueva forma de hacer jazz, que se consolido sobre todo como resultado de la migracion masiva de musicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos".^[43] Las bandas de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal caracteristica fue la formacion de grandes orquestas, las big bands.

Ademas, aportaron elementos novedosos respecto de la tradicion hot: la conversion de los ritmos de dos tiempos (two beat) a ritmos regulares de cuatro acentos ritmicos por compas; la utilizacion como recurso de tension del riff, frase corta repetida con crescendo final; la predominancia de pasajes melodicos interpretados straight, es decir, conforme a partitura; la extension del fenomeno del "solista"; la revalorizacion del blues; etc. Este proceso no se desarrollo exclusivamente en Nueva York, puesto que en otros lugares, como Kansas City tuvo lugar una evolucion similar en big bands como las de Bennie Moten o Count Basie.

El estilo toma su nombre de una de las caracteristicas del nuevo jazz: el swing como elemento ritmico. Se trato de una operacion comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigia una de las bandas mas populares de la epoca, al designarlo como "Rey del swing". Esto llevo al publico, pero tambien a muchos criticos, a creer que swing era el tipo de musica que hacia esta banda, consolidandose el nombre.^[44]

Algunas de las bandas de la epoca alcanzaron un enorme exito popular y de ventas, generando un subestilo comercial que, a la larga, acabaria por lastrar las posibilidades de desarrollo del swing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas derivaron hacia ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del jazz de la decada de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann. En algunos casos, se desarrollaron escenas regionales con gran proyeccion y personalidad diferenciada, como es el caso del Western swing (que fusiono musicas de origen folclorico) y, en Europa, del llamado jazz manouche, impulsado por Django Reinhardt.

El swing fue, ademas, un estilo rico en grandes improvisadores, muchos de los cuales establecieron verdaderos canones en sus respectivos instrumentos: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart, Harry Edison y muchos otros. Fue tambien, paralelamente, un estilo que favorecio la proyeccion de los cantantes, especialmente de las cantantes femeninas: Ella Fitzgerald, Ivy Anderson (que permanecio casi doce anos en la banda de Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy, Anita O'Day, Lena Horne o Peggy Lee. Algunos de estos instrumentistas fueron determinantes en el proceso de evolucion que llevo desde el swing al be bop y al cool, destacando entre ellos el trompetista Roy Eldridge y el saxofonista Lester Young.

Tras la era del swing, el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo, reconocido incluso por compositores clasicos de la talla de Stravinsky. Sin embargo, el termino swing gozaba de mala reputacion entre los musicos: se consideraba que solo los profesionales de menor talento se dedicaban a este tipo de musica comercial, de modo que los musicos mas <> --como Duke Ellington-- se estaban alejando del estilo. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de musica radicalmente diferente, cuyos unicos rasgos en comun consistian en una instrumentacion similar y en el interes por la improvisacion.^[45] Todo esto transcurrio en medio de notables protestas iniciales. Tommy Dorsey, por ejemplo, declaro que el Bebop habia hecho retroceder veinte anos a la musica y Louis Armstrong, quien rara vez tomaba partido en polemicas de este tipo, llego a decir que se trataba de "musica china".^[46]

Los musicos bebop ponian el acento en el papel del solista, cuyo papel ya no era el de entertainer de epocas pasadas, sino un artista creador al servicio solo de su propia musica. La sincopa caracteristica del swing quedaba destinada a favorecer la interpretacion de las melodias; la seccion ritmica se simplificaba, relegandola unicamente al contrabajo --que crecia en importancia-- y a la bateria,^{[nota 4]} --que dejaba a un lado su antiguo papel de mero metronomo--, incrementando con ello la libertad de bajistas y bateristas; se introdujeron disonancias, polirritmos, nuevas paletas tonales y fraseos mas irregulares; se abandono la melodia en favor de la improvisacion, y el formato de big band por el de combo, formado por muy pocos musicos; y se adopto, incluso un look caracteristico en el que no podia faltar sombrero, gafas de sol y perilla.^[45]

El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los lideres del movimiento, con un estilo trompetistico que resumia perfectamente las caracteristicas de la nueva musica y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio basico de los musicos bop, como <<A Night In Tunisia>> o <<Salt Peanuts>>. Charlie Parker fue el otro gran padre del bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisacion, extendiendo el aspecto melodico y el rango ritmico del jazz hasta ese momento, y con un estilo emocional y sorprendente que quedo inmortalizado en clasicos como <<Yardbird Suite>>, <<Ornithology>>, <<Donna Lee>>, <<Billie's Bounce>> o <>, entre otros muchos.^[45]

Otros musicos de importancia dentro del estilo fueron los saxofonistas Dexter Gordon, quien adapto el estilo de Parker con el alto al saxo tenor, y Sonny Stitt; el trompetista Fats Navarro; los trombonistas J. J. Johnson --quien adapto el lenguaje bop al trombon--, Benny Green o Kai Winding; los pianistas Bud Powell, Thelonious Monk, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols o Tommy Flanagan; los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateristas Kenny Clarke o Max Roach; o la cantante Sarah Vaughan.^[47] En el campo de las big bands, algunas de ellas, como las de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton o Stan Kenton, supieron adaptar su sonoridad a las nuevas exigencias,^[48] y otras, como la de Earl Hines establecieron puentes entre el viejo y el nuevo sonido. Solo algunas lograron convertirse en verdaderas big bands de be-bop, como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn, Billy Eckstine y Dizzy Gillespie.

El nacimiento formal del movimiento cool tuvo lugar en 1948 con la grabacion del album Birth of the Cool de Miles Davis (no publicado hasta 1954), todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones mas influyentes de la historia. El nuevo estilo se derivaba directamente del bebop, pero resultaba una musica mas cerebral, que tenia como principal objetivo el establecimiento de una atmosfera "calma" y "meditativa".^{[nota 5]} El cool jazz resulto particularmente popular entre musicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su alejamiento de las raices africanas del jazz, pero tambien encontro un hueco entre las preferencias de musicos negros que estaban pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel mas activo y serio en la busqueda de su identidad musical.^[49]

Miles Davis, quien habia comenzado su carrera con Charlie Parker, dio inicio al movimiento con Birth of the Cool (1948), el primero de una serie de albumes exitosos --Walkin (1954), Miles (1955), Cookin', Relaxing, Working o Steaming, todos de (1956), Milestones (1958) hasta la edicion del legendario Kind of Blue (1959), considerado una obra maestra del genero, del estilo jazz modal y que ha sido el disco mas vendido de la historia del jazz. The Modern Jazz Quartet --originalmente la seccion ritmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke-- publico Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), y Django (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el limite entre lo barroco y lo jazzistico. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del third stream, una corriente que establecia un puente entre la musica clasica y el jazz, que tiene como ejemplo paradigmatico su Jazz Abstractions (1959), y que cuenta tambien entre sus principales representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produjo Gil Evans and Ten (1957), Out of the Cool (1959), o Into The Hot (1961), Bill Evans --junto a Scott LaFaro y Paul Motian-- introdujo un nuevo sonido en el trio de jazz influenciado por la musica clasica europea, y George Russell sobresalio como interprete de temas modales. Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter.^[49]

En esa misma epoca, en la Costa Oeste, la evolucion del jazz se desarrollo por caminos menos influenciados por los musicos neoyorquinos de bebop, directamente herederos de Lester Young y de la evolucion que habian tenido big bands como las de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevo estilo, que acabaria conformandose como la linea principal de desarrollo del cool, fue impulsado especialmente por musicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers o Shelly Manne, y genero obras que tuvieron una enorme repercusion comercial, como es el caso de Time Out, de Dave Brubeck y Paul Desmond, que se convirtio en el primer disco de jazz en vender mas de un millon de copias, gracias al tema <<Take Five>>.^[50] Tambien obtuvo un importante exito comercial Stan Getz, otro de los lideres del movimiento cool, que procedia de las orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman y que terminaria popularizando la bossa nova (estilo brasileno de samba influenciado por el sonido West Coast jazz), con sus discos West Coast Jazz, Early Autumn (1948) y Quartets (1950), mientras que Lee Konitz es considerado por algunos criticos como la quintaesencia del musico cool. Gerry Mulligan, otro de los principales representantes de esta corriente, edito Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952), y Mulligan Quartet (1952); Art Pepper grabo Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre lanzo Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958); Chet Baker publico Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954); Chico Hamilton grabo Spectacular (1955), Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, por ultimo, destaco por un sonido limpio y tranquilo --justo la antitesis de Charlie Christian-- que anticipaba la llegada de un tipo de jazz mas suave y relajado.^[49]

Como reaccion ante el intelectualismo del bebop, los musicos del hard bop reivindicaron el retorno del jazz a sus origenes, con especial acento en la energia y la espontaneidad de la musica. El elemento ritmico quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los musicos bebop, adquirieron mas fuerza y vitalidad, conformando una musica agresiva e intensa. De hecho, el adjetivo hard (<>) tiene en esta expresion la connotacion de <>.^[51] Tuvo especial incidencia entre los musicos de la Costa Este,^[52] y esta especialmente vinculado a los musicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos, como Chicago o Detroit. A ellos, "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmon, los sonidos calidos, las frases de angulos puros, los ritmos explosivos".^[53] Para muchos autores, el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una via que se abria a la prosecucion de una tradicion ininterrumpida en la que las raices mas profundas seguian teniendo un peso especifico importante".^[54]

Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento, junto a Art Blakey o Sonny Rollins. Destacaron asimismo los saxofonistas Cannonball Adderley, Phil Woods, Tina Brooks, Hank Mobley, Joe Henderson, Pepper Adams, Benny Golson o Jackie McLean; los trompetistas Woody Shaw, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Donald Byrd, Blue Mitchell, Art Farmer o Clark Terry; los pianistas Mal Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan o Duke Pearson; la vocalista Abbey Lincoln; el guitarrista Kenny Burrell; los contrabajistas Reginald Workman, Paul Chambers y Charles Mingus; el bateria Pete La Roca; o las big bands de Thad Jones o Maynard Ferguson.^[52]

Intimamente relacionado con el hard bop, se desarrollo un estilo de tocar el jazz basado en la utilizacion de estructuras blues en tempo lento o medio, con un beat firme y sostenido, con emocion interpretativa, que se llamo inicialmente funky y, despues, soul jazz.^{[55] [56]} Un subgenero que exhibia al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas, y que hundia sus raices en los trabajos de musicos como Horace Silver, Junior Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o Ray Charles.

Otras figuras destacables del genero fueron los organistas Brother Jack McDuff, Shirley Scott, Charles Earland, Larry Young o Richard "Groove" Holmes; los guitarristas Wes Montgomery y Grant Green; o los saxofonistas Stanley Turrentine, Willis "Gator" Jackson, Eddie "Lockjaw" Davis, David "Fathead" Newman, Gene Ammons, Houston Person, Jimmy Forrest, King Curtis, Red Holloway, Eddie Harris y Hank Crawford.^[57]

En los primeros anos de la decada de 1970, sellos como CTI Records, hicieron de este estilo, ya muy evolucionado, sena de identidad propia, consiguiendo importantes ventas con algunos de sus artistas, como George Benson, Grover Washington, Jr., Eumir Deodato o Johnny Hammond, que abrieron el camino a fusiones mas comerciales que desembocaron en el smooth jazz.

El bop evoluciono muy rapidamente durante la decada de los cincuenta y algunos musicos (George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron, a partir de los conceptos de intuicion y digresion que habia anunciado la musica de Lennie Tristano, formulaciones similares a las que ya se habian dado en la musica clasica en los anos veinte, con la irrupcion, por ejemplo, de la atonalidad en el jazz de los anos sesenta. Esta generalmente aceptado por la critica que, al margen de los antecedentes ya citados, el free jazz toma carta de naturaleza en 1960, con la publicacion del disco homonimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto, que supone una revolucion estilistica en el jazz, pero <jazz, cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo historico>>.^[58] Coleman habia ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosion, como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music, ambos para Atlantic Records.^[59]

El free jazz prescindio de elementos hasta entonces esenciales en el jazz, como el swing, el fraseo o la entonacion, abriendose ademas a influencias de musicas del mundo y politizandose de forma muy ostensible.^[60] En los primeros anos sesenta se asistio a una, aparentemente, irresistible ascension del free jazz que, paralelamente, recibio una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: <>. Criticas que, por otra parte, provinieron no solo del publico o de periodistas especializados, sino de musicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones.^[61] A mediados de la decada, practicamente todos los musicos jovenes de jazz estaban influidos por el free. Cecil Taylor, Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta linea, pero a ellos se sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gomez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof y John Surman, entre otros. A mediados de la decada, el free jazz se habia convertido en una manera de expresion ricamente articulada que abarcaba todas las tematicas y comandaba todas las vias de desarrollo del jazz. Sin embargo, a partir de 1967 comenzo a apreciarse una clara recesion del favor del publico respecto del free jazz.^[62]

Un cierto numero de musicos de bop habian desarrollado conceptos de improvisacion mas avanzados a finales de los anos 1950, realizando un <<jazz modal>> directamente impulsado por figuras como Miles Davis o, muy especialmente, John Coltrane ya a comienzos de la decada de 1960. Sus <>, segun bautizo el critico Ira Gitler al sonido del cuarteto del saxofonista,^[63] abrieron el camino a un estilo que se ha dado en llamar post-bop. Este adapto a las experiencias hard bop un buen numero de las innovaciones que habia traido el free jazz, convirtiendose en la linea de desarrollo principal (mainstream) del jazz moderno, hilo conductor hasta llegar al neo bop o "neo-tradicionalismo" de los anos 1980, encabezado por Wynton Marsalis. Salvo excepciones, como Bill Evans, el sello discografico Blue Note recogio a los principales musicos del estilo: Wayne Shorter, McCoy Tyner, Herbie Hancock o Lee Morgan.

El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew, un album de Miles Davis que contaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros, supuso una nueva revolucion en el sonido del jazz, introduciendo una instrumentacion y unos esquemas ritmicos mas cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo genero que recibiria posteriormente la denominacion de jazz fusion. La influencia de los grupos de rock que estaban experimentando con el jazz en la epoca (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos, las distintas formaciones de Frank Zappa), termino de perfilar un genero que daria lugar posteriormente a otros muchos subestilos, siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentacion de las nuevas bandas de jazz rock --que reemplazaron el contrabajo por el bajo electrico y donde la guitarra o el organo abandonaban la seccion ritmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho--^[64] o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros, otra caracteristica heredada del mundo del rock.^[65]

Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del jazz rock fue Gary Burton, quien, con la ayuda de Steve Swallow, Larry Coryell y Roy Haynes, habia empezado a experimentar con ritmos de rock en The Time Machine (1966), y habia introducido elementos country en Tennessee Firebird, editado ese mismo ano. Tony Williams, quien se habia hecho famoso en el quinteto de Miles Davis, ya habia editado bajo su nombre Life Time (1964) y Spring (1965) antes de poner en marcha su Lifetime, una banda que contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiria en uno de los grupos mas relevantes del genero.^[64] Herbie Hancock no tardo en erigirse como uno de los maximos representantes del genero a la cabeza de su grupo The Headhunters --una banda que, inspirada en los ritmos funky-psicodelicos de Sly Stone, logro el mayor exito de ventas de la historia del jazz con su album homonimo editado en 1973--, mientras que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever, originalmente con Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto Moreira. Keith Jarrett publico Gary Burton & Keith Jarrett en 1970, e hizo incursiones en el latin jazz en Expectations (1971), mientras que McCoy Tyner colaboro con musicos como Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron Carter en Expansions (1968), Cosmos o Extensions, ambos de 1970.^[66] Desde el area del free jazz, musicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una musica compleja y personal, con raices muy diversas e influencias muy heterogenas.^[67]

El guitarrista Larry Coryell fue otro de los pioneros del jazz rock, con su participacion en el album de 1966 Out of Sight And Sound, del grupo "Free Spirits". El album marco el inicio de una serie de grabaciones bajo su nombre que culminarian en Introducing The Eleventh House (1974), primer disco de una banda --The Eleventh House-- que se situaria entre las mas famosas de los grupos de jazz rock de la decada de 1970. Weather Report, formado originalmente por Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso Mouzon no solo se convirtio en el grupo mas importante del movimiento, sino --segun Piero Scaruffi-- en uno de los dos grupos mas importantes de la historia del jazz.^{[nota 6]} La banda obtuvo un considerable exito desde sus inicios, pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupacion, que con albumes como Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) alcanzo un notable exito comercial. John McLaughlin recogio el testigo del revival del blues que habia tenido lugar en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream, pero tras editar un primer album bajo su nombre (Extrapolation, 1969) con John Surman y Tony Oxley, fue convocado por Miles Davis para la grabacion de Bitches Brew. Su My Goal's Beyond, de 1971 muestra ya abiertamente la pasion del musico por la musica hindu, un interes que desarrollara con la Mahavishnu Orchestra a lo largo de la decada en albumes como The Inner Mountain Flame (1971) o Birds of Fire (1972), y, especialmente con Shakti, una banda que contaba con la participacion de musicos hindues.^[65]

El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra figura clave del movimiento, con una serie de albumes --Have You Ever Heard (1970), Collect (1974), Untitled (1977)...-- con los que quiso efectuar una nueva lectura de los cliches del jazz rock y en los que participaron musicos como John Abercrombie o David Murray. Gary Bartz habia debutado con Libra (1967), un album en el que mostraba su estilo enraizado en la tradicion del bebop y sus cualidades como compositor, pero tras reemplazar a Wayne Shorter en el grupo de Miles Davis, formo sus "NTU Troop" en 1970, para publicar un disco (Harlem Bush Music - Taifa, de 1970) en el que presentaba una musica energica, con elementos del soul, del funk, del jazz y del rock. Billy Cobham --que habia participado en Dreams junto a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie, y que tambien habia pasado brevemente por el grupo de Miles Davis-- edito Spectrum y Crosswinds en 1973, y Total Eclipse en 1974, todos ellos albumes importantes en la historia del subgenero. John Abercrombie debuto discograficamente en 1974 con Timeless, con Jack DeJohnette y Jan Hammer para seguir editando albumes en la misma linea con musicos como Marc Johnson, Peter Erskine, o Dave Holland. Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 The Brecker Brothers, para editar una musica de gran complejidad a medio camino entre el hard bop y el funky antes de emprender sus respectivas carreras en solitario.^[65]

Oregon publico en 1972 un primer album --Music of Another Present Era-- que mostraba una sofisticada combinacion de jazz, musica clasica, improvisacion, complejidad compositiva y elementos etnicos. Lonnie Liston Smith edito en 1973 su Astral Travelling, primer disco de una banda --The Cosmic Echoes-- que pronto derivaria hacia el funky soul con albumes como Expansions (1974). Steps Ahead, un supergrupo de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publico su primer trabajo --Step By Step-- en 1980, el mismo ano que Ronald Shannon Jackson publico Eye on You con su grupo Decoding Society; o que Joseph Bowie, hermano de Lester, publico "Defunkt" primer album de su banda homonima.^[65]

Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violin a la era de la electronica, desde el comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en fecha tan temprana como 1968, pasando por sus colaboraciones con John McLaughlin y culminando en su carrera en solitario con albumes como Upon The Wings Of Music, de 1975. El bajista y violonchelista Ron Carter habia publicado Uptown Conversation (1969) con el contrabajo como protagonista, antes de editar Piccolo (1977), un album en el que empleaba el bajo piccolo, un hibrido entre el contrabajo y el chelo. El virtuoso checo Miroslav Vitous destaco tambien en el contrabajo en albumes como Infinite Search (1969), o Purple (1970), pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo electrico en el punto de mira de los aficionados, con Stanley Clarke (1974) y School Days (1976). Jaco Pastorius fue, sin embargo el gran revolucionario de ese instrumento, tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat Metheny (Bright Size Life, 1976) o Weather Report (Heavy Weather, 1977) como, sobre todo, con su debut en solitario que, lanzado en 1976 con el titulo de Jaco Pastorius, fue el disco que, no solo popularizo el bajo fretless, sino que lo situo como uno de los instrumentos mas expresivos del jazz fusion. Destaca igualmente, en una linea muy funky, el bajista Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper, 1983). Otras figuras importantes, dentro de un estilo de fusion que proviene del free jazz e incorpora elementos de la musica third stream, fueron el contrabajista David Friesen (Color Pool, 1975), Collin Walcott (percusionista de Oregon y uno de los musicos mas innovadores en su instrumento), el saxofonista John Klemmer (Touch, 1975), los pianistas Art Lande (Red Lanta, 1973), y Steve Kuhn (Ecstasy, 1974), y el bajista Steve Swallow (Swallow, 1991).^[68]

Tras la gran influencia de guitarristas de jazz mas mainstream de las decadas de 1950 y 1960, como Joe Pass, Wes Montgomery y Barney Kessel, entre otros, la guitarra electrica habia alcanzado gracias a la influencia del rock una popularidad sin precedentes, que no tardo en verse reflejada en el mundo del jazz fusion con la aparicion de un buen numero de musicos, que la veian como el instrumento dominante en la escena del jazz, tal y como el saxofon lo habia sido en epocas anteriores. Sonny Sharrock (Black Woman, 1969; Monkie-Pockie-Boo, 1970) o James Blood Ulmer (Revealing, 1977) se encuentran entre los primeros representantes de esta corriente, al igual que Ralph Towner (Diary, 1973), el guitarrista de la banda Oregon. Hacia mediados de la decada de 1970, el guitarrista de The Crusaders, Larry Carlton, aporto el sonido de la guitarra rock mas duro a una banda original y esencialmente jazzistica, y Pat Metheny habia publicado en 1976 su Bright Size Life con Jaco Pastorius y Bob Moses, un disco que tenia a la guitarra electrica como principal protagonista pero que, tambien, introducia el bajo electrico en el sonido del jazz, y mostraba el estilo naturalista y original, tipicamente <>, al igual que Carlton, que Metheny desarrollaria en posteriores albumes ya con su banda Pat Metheny Group (Group 1978; American Garage, 1979). El japones Kazumi Watanabe grabo una serie de afamados discos, que se inicio con Endless Way (1975), mientras que John Scofield, que habia colaborado con Billy Cobham y Charles Mingus, edito su primer trabajo en solitario en 1977, con el titulo East Meets West. El virtuoso Al DiMeola, publico tambien sus primeros trabajos a mediados de la decada (Land Of The Midnight Sun, 1976; Elegant Gipsy, 1977), al igual que Steve Tibbetts (Steve Tibbets, 1976; Yr, 1980), Steve Khan (Tightrope, 1977; The Blue Man, 1978) y Mike Stern, que asentaria su carrera a comienzos de la decada siguiente, al lado de Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983).^[69]

En el ambito europeo destacaron los britanicos Neil Ardley, Mike Westbrook, Mike Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith Tippett, Elton Dean, Basil Kirchin o el grupo Nucleus; los noruegos Jan Garbarek y Terje Rypdal; el danes Niels-Henning Orsted-Pedersen; los alemanes Wolfgang Dauner, Joachim Kuhn y Eberhard Weber; el italiano Enrico Rava; el polaco Michal Urbaniak; o el ruso Serguei Kuriokhin.^[70]

En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporacion de elementos latinos a la musica hot. De hecho, los ritmos de habanera, calinda, contradanza o fandango eran usuales en la musica de Nueva Orleans.^[71] La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz de los anos 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusion. Sin embargo, a mitad de los anos 1940, la influencia cubana sobre el bop genero un estilo de fusion cuyo mejor exponente fueron la big band de Machito, y los trabajos de Dizzy Gillespie, que integraban elementos caracteristicos del bebop con ritmos afrocubanos. De todos los estilos que surgieron tras la era del swing, el latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad, y sus esquemas basicos no han cambiado demasiado a lo largo de su historia, a traves del trabajo --por citar solo a tres de las mas importantes-- de las orquestas de Tito Puente, Poncho Sanchez o Mario Bauza.^[72]

A partir de mediados la decada de 1960 y, especialmente, durante los anos 1970, este estilo de fusion con musicas latinas, se asento de forma definitiva en la escena del jazz. Dentro de la amplia denominacion de "jazz latino", suelen incluirse musicas tan diferentes como las de origen brasileno (bossa nova, especialmente), las de origen cubano y otras de fusion con otras musicas de caracter latino (y de forma especial, el tango). Entre los muchos artistas que han desarrollado su obra en las distintas variantes de este genero, cabe citar, dentro del jazz de fusion de origen brasileno, a Flora Purim, Airto Moreira, Charlie Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto Pascoal, Dom Um Romao, Egberto Gismonti o Claudio Roditi. Y, en el entorno de la fusion de jazz con la musica afro-cubana y portorriquena, encontramos a Irakere, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Emiliano Salvador, Cal Tjader, Chico O'Farrill, Mongo Santamaria, Candido, Sabu Martinez, Chano Pozo, Chucho Valdes, Steve Turre o Paquito D'Rivera, ademas de pianistas como Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo, en los que el elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen post-bop.

Mucho mas apegados a los estilos tradicionales cubanos, incluso a la salsa, encontramos a musicos como Willie Bobo, Cachao, Carlos "Patato" Valdes, Tata Guines, Willie Colon, Jesus Alemany o Francisco Aguabella, ademas de orquestas que historicamente tuvieron una gran proyeccion comercial, como las de Xavier Cugat y Perez Prado. Fuera del mundo antillano, destacan musicos que han desarrollado trabajos de acercamiento entre el jazz y musicas tradicionales de otros lugares de America Latina: Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry Mulligan), Gato Barbieri, Osvaldo Tarantino, Alex Acuna..^[73] El estilo ha dado origen a lo largo de los anos a toda una serie de subgeneros relacionados entre los que se encuentran el boogaloo, el jazz cubano, el jazz brasileno y, por encima de todos en popularidad y proyeccion, la bossa nova.^[72]

A mediados de la decada de 1970 el soul jazz y el jazz de fusion experimentaron un viraje hacia terrenos mas comerciales que tuvo como protagonistas a destacados musicos de jazz como George Benson. Benson habia iniciado su carrera como guitarrista al lado del organista Jack McDuff, en 1964, y tras haber registrado una serie de aclamados discos en la tradicion bop se situo, desde mediados de la decada de 1970, como un fenomeno comercial con albumes como Breezin (1976) o Give me the Night (1980), en los que primaba su faceta como cantante. Chuck Mangione, desde una perspectiva similar, se especializo en baladas orquestales que integraban a partes iguales elementos bebop con melodias ligeras inspiradas en el pop mas comercial, inaugurando en discos como Bellavia o Chase the Clouds Away (1975) el sonido caracteristico de lo que luego se conoceria como smooth jazz. Al Jarreau habia comenzado una prometedora carrera como cantante de jazz con We Got By (1975), pero pronto derivo hacia la interpretacion de baladas soul y jazz-pop de indole mas comercial (Jarreau, 1983). The Yellowjackets, por su parte, exhibia un sonido a medio camino entre el jazz fusion mas experimental de Weather Report y el pop-soul mas comercial (Mirage a Trois [1982], Samurai Samba [1983]).^[74] Tambien ya en los anos 1980, la banda Spyro Gyra obtuvo un exito comercial sin precedentes con una musica que mezclaba elementos del pop ligero, el soul y el jazz fusion, jugando un papel importante al familiarizar al publico no aficionado con los sonidos del jazz.

El smooth jazz se desarrollo a partir de una reelaboracion mas comercial del legado que habian dejado los musicos de fusion, caracterizandose por el uso frecuente de sintetizadores; por un ritmo ligero y sin pretensiones, de bases funky; por un sonido elegante y alejado de la racionalidad del bebop o de la energia del soul jazz o del funk; y donde el aporte general de la banda importaba mas que cada uno de sus elementos por separado. Entre otros artistas que han trabajado en el genero cabe destacar a David Sanborn, Russ Freeman, Bob James, Ben Sidran, Larry Carlton, Najee, Eric Marienthal, Jeff Lorber, Candy Dulfer o Fattburger.^[75]

El jazz flamenco tiene su origen a finales de la decada de 1950, de cuando datan los primeros experimentos, como el Hamp's Flamenco, de Lionel Hampton (1957) o los que Charles Mingus grabara en 1957 en su Tijuana Moods (aunque no veria la luz hasta 1962). A partir de la decada de 1960 surgieron otras propuestas de fusion con el flamenco de parte de artistas como Miles Davis (Sketches of Spain, 1960; Flamenco Sketches, incluido en Kind of Blue, 1959) o John Coltrane (Ole, 1961). Sin embargo, en Espana hubo de esperar hasta 1967, ano en que el saxofonista Pedro Iturralde edito su Jazz Flamenco (MPS), un disco que contaba con la colaboracion del por entonces joven Paco de Lucia y que se considera usualmente como la obra fundacional del genero. Discos como My Spanish Heart de Chick Corea (1976) o Friday Night in San Francisco, una grabacion de 1980, en trio, de los guitarristas Al DiMeola, John McLaughlin y Paco de Lucia, abundaban en la idea de la fusion de ambos generos, dentro de una corriente de renovacion en el flamenco, que desemboco en las fusiones del llamado nuevo flamenco. De Lucia reelaboro el genero en sus trabajos con el sexteto integrado por el mismo, su hermano Pepe de Lucia, Ramon de Algeciras, Carles Benavent, Rubem Dantas y Jorge Pardo (Live... One Summer Night, 1984). A partir de mediados de esa decada, Benavent, Dantas y Pardo iniciaron sus carreras en solitario, ayudando a consolidar un estilo donde no tardaron en aparecer trabajos de figuras del jazz espanol y el flamenco, como Joan Albert Amargos, El Potito, Antonio Carmona, Chano Dominguez, Angel Rubio, Guillermo McGill, Gerardo Nunez, Jerry Gonzalez, Juan Manuel Canizares, Agustin Carbonell "El Bola", Perico Sambeat o Javier Colina, artistas que continuan explorando el camino abierto por Davis, Coltrane, Iturralde y Paco de Lucia mas de medio siglo atras.^[76]

En el resto del mundo distintos musicos de tradiciones muy diversas continuan elaborando fusiones estilisticas que a menudo tienen al jazz como coprotagonista. Esta orientacion parte en la decada de 1950, con artistas como Dizzy Gillespie, Dollar Brand, Sun Ra o Yusef Lateef, y se afianza, mas tarde, a finales de los anos 1960 y en la decada de 1970, cuando Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis o Andy Narell comenzaron a fusionar elementos etnicos tales como instrumentacion, armonias o ritmos, de distintas procedencias (Africa, la India, Bulgaria, Francia, Brasil, Japon, la Polinesia, Marruecos, el Caribe...), en trabajos donde la improvisacion caracteristica del jazz tenia un lugar importante.^[77]

Esta familia de generos de <<fusion etnica>>, cuya cercania al jazz varia de un artista a otro, suele agruparse dentro del termino generalista world music, denominacion que incluye ademas otros estilos poco o nada relacionados con el jazz. Entre los artistas que han desarrollado su trabajo en esta linea, ademas de los citados, se encuentran Shakti, Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Winter, David Amram, Rabih Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona, Harry Partch, Trilok Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan Shankar, Alpha Blondy, Strunz & Farah, Toshinori Kondo, M'Lumbo, Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona o Hugh Masekela.^[77]

El auge del <> que tuvo lugar con la llegada de la decada de 1980 marco el punto mas alto de la crisis que habia afectado al jazz desde la popularizacion masiva del rock, en la decada de 1960. El jazz representaba para los negros norteamericanos la alternativa popular a la musica clasica, pero en el momento en que comenzo a derivar, primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas fusiones que tuvieron lugar en la decada de 1970, fue alejandose cada vez mas de sus origenes, entrando en una crisis de identidad que a finales de esa decada aun no habia sido resuelta. En ese periodo el termino jazz se solia identificar simplemente con la musica instrumental, los musicos blancos estaban logrando mas exito que los negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador. Sin embargo, la llegada de los neo-tradicionalistas cambio el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolucion en el genero, reivindicaron una vuelta a sus origenes trasladando los terminos del debate desde la dicotomia free jazz/jazz fusion al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolucion.^[78]

Scott Hamilton, con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill (1977) inauguro el revival del jazz clasico, el mismo ano en que se publico el primer disco del quinteto V.S.O.P., liderado por Herbie Hancock. Una vuelta a los principios del bop, que se vio continuada en la obra de los pianistas Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad Mehldau; de los saxofonistas Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman, Joshua Redman, James Carter o Courtney Pine; de los trompetistas Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard, y Roy Hargrove; o del trombonista Steve Turre.^[78]

Mencion aparte merece Wynton Marsalis, el principal representante de una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la obra de Ellis Marsalis, padre del anterior (y de Brandford, Delfeayo y Jason, todos ellos destacados musicos de jazz), y un importante educador que tuvo entre sus alumnos mas destacados a Terence Blanchard, Donald Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y Marlon Jordan, entre otros.^[79] La llegada a la escena de Wynton Marsalis, considerado por la critica como el musico de jazz mas famoso desde 1980, supuso la inauguracion del movimiento de los Young Lions (jovenes leones), un movimiento que tuvo como resultado la contratacion por parte de las grandes companias discograficas --incluso de aquellas que nunca habian mostrado interes alguno en este tipo de musica-- de los jovenes talentos del jazz. Con un conocimiento enciclopedico de la tradicion de su instrumento, Marsalis ha sido criticado por su papel conservador como director de la Lincoln Center Jazz Orchestra, una banda dedicada a preservar la identidad musical del jazz de los afroamericanos, pero tambien ha destacado por su papel de divulgador de la cultura del jazz, y como introductor de nuevos talentos.^[80]

A mediados de la decada de 1980 surgio en Nueva York el colectivo M-Base, un grupo de musicos inspirados por las ideas armonicas de Ornette Coleman cuyas obras giraban en torno al free jazz y al funk, con elementos procedentes de la musica, la filosofia y la espiritualidad del Africa Occidental. Entre los representantes mas destacados del colectivo se encuentran los saxofonistas Steve Coleman, Gary Thomas y Greg Osby; el trompetista Graham Haynes; el trombonista Robin Eubanks; el guitarrista Jean-Paul Bourelly; los pianistas Geri Allen y Jason Moran; la bajista Meshell Ndegeocello; o la cantante Cassandra Wilson.^[81]

En 1988 aparece, de la mano del DJ britanico Gilles Peterson (dedicado en esa epoca a editar remezclas de clasicos del jazz con bases hip hop) el termino acid jazz, aplicado a un nuevo estilo musical que integraba elementos del jazz, del funk y del hip hop. El termino paso a ser el nombre de una discografica creada por el mismo Peterson para dar salida a grupos del estilo y, finalmente, se impuso como denominacion del propio genero. Entre sus primeros representantes se encuentran el guitarrista Charlie Hunter o el trio Medeski Martin & Wood, pero no tardaron en surgir derivaciones mas enfocadas a las pistas de baile como Stereo MCs, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove Collective, Galliano, Incognito o el exitoso Jamiroquai. Otras bandas importantes del movimiento fueron Mondo Grosso, United Future Organization, The Jazz Warriors, Count Basic, o el guitarrista Ronny Jordan, que desarrollaron el grueso de su discografia ya entrada la decada de 1990.^{[81] [82]}

En 1975 el guitarrista norteamericano William Ackerman habia acunado el termino new age para definir un estilo de musica instrumental de corte atmosferico, cuyo origen se podia rastrear en las fronteras del jazz con la musica clasica, el folk, e incluso con la musica psicodelica, la electronica y las filosofias orientales. La nueva musica, dirigida a un publico acomodado y urbano, era una musica genuinamente blanca, cuyo centro neuralgico se situaba en la Costa Oeste de los Estados Unidos.^[83]

Ya Tony Scott con su Music For Zen Meditation (1964) y Paul Horn (In India, 1967), entre otros, habian experimentado con la fusion del jazz con las tradiciones musicales de oriente, pero el genero tuvo que esperar hasta mediados de la decada de 1970 para que musicos como Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus lineas definitivas, que quedaron bien establecidas a lo largo de toda la decada siguiente en la obra de George Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka, Michael Jones, David Lanz, Liz Story, Mark Nauseef, Glen Velez, Rob Wasserman o el grupo Shadowfax.^[83]

Desde mediados de la decada de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del rock como en el mundo del jazz y la musica de vanguardia. La revolucion neoyorquina nacia de diversas raices, y la cuestion racial era una de ellas: los musicos blancos lideraban el movimiento, y los musicos negros habian sido apartados de facto tanto de la escena de la musica rock como de la clasica. El jazz se habia cruzado anteriormente con otras musicas negras --el blues, el funk, el soul...--, pero hasta entonces no lo habia hecho con estilos como el rock o la musica clasica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por musicos blancos. La revolucion neoyorquina cambio el orden de las cosas.^[84]

Entre los primeros musicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el saxofonista John Zorn; el guitarrista Elliott Sharp, cuyas composiciones son un ejemplo de sintesis de disonancia, repeticion e improvisacion; Eugene Chadbourne, que integraba elementos del jazz de vanguardia con la musica blanca de origen rural; el guitarrista Henry Kaiser ; el violoncelista Tom Cora; el guitarrista irlandes Christy Doran; el baterista Joey Baron; y otros muchos musicos de la misma generacion.^[85]

La revolucion neoyorquina se dejo sentir tanto en el tipo de material en el que los musicos se estaban embarcando como en el tipo de tecnicas que empleaban para improvisar, recogiendo influencias de todo tipo y fusionandolas sin limitaciones conceptuales. Asi, el saxofonista Ned Rothenberg se establecio entre la primera linea de las nuevas generaciones de improvisadores. Otros musicos, como el trombonista Jim Staley, o Tom Varner, un virtuoso del corno frances, se situaron entre los mas originales de su generacion. Mucho mas conocido, el guitarrista Bill Frisell asimilo en su obra influencias del jazz y del rock, pero tambien del folk, de la musica de las marching bands o incluso de la musica eclesiastica. Solistas como el violonchelista Hank Roberts, o Mike Shrieve (exbaterista de Santana) pusieron tambien su capacidad integradora en primera linea.^[86]

La segunda mitad de la decada de 1990 conocio un revival de la musica para las big bands, una tendencia que se habia originado en la decada anterior, en la obra de musicos como el bajista Saheb Sarbib o el cornetista Butch Morris. El teclista Wayne Horvitz desarrollo su idea del <<jazz progresivo de camara>>, mientras que el veterano multinstrumentista Marty Ehrlich recogia la influencia del jazz tradicional, la improvisacion, la musica ligera y la musica clasica de vanguardia, y la estadounidense Maria Schneider, alumna de Gil Evans, resucito el estilo de su maestro en diversos albumes para orquesta.^[87]

Durante la decada de 1990 la ciudad de Chicago se convirtio en un foco de creatividad musical donde surgieron figuras de interes como la pianista Myra Melford, que habia debutado en 1984. El saxofonista Ken Vandermark ofrecio Big Head Heddie en honor a Thelonious Monk y al guru del funk George Clinton, antes de embarcarse en una carrera singular en la que experimentaria con distintos formatos y aproximaciones. El violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilo de Anthony Braxton se unio a la nueva ola de improvisadores creativos, mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otro alumno de Braxton, expandio el vocabulario del jazz con una cierta anarquia polifonica, ya en los albores del siglo XXI.^[88]

Antes de finalizar la ultima decada del siglo XX, aparecio en la escena de Nueva York una nueva generacion de jovenes musicos que encontraron en la improvisacion el elemento clave de su musica: la arpista Zeena Parkins, el flautista Robert Dick, el trompetista Toshinori Kondo, o el guitarrista Alan Licht. Otros, como el pianista Uri Caine o el trompetista Dave Douglas, exploraron la relacion entre el hard bop, el free jazz y la musica clasica.^[89]

A finales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible entre la comunidad negra de musicos de jazz, particularmente en la escena de Nueva York, donde destacaban nombres como el saxofonista David Ware, el irreverente trombonista Craig Harris, o el pianista Matthew Shipp, quien coqueteaba con el hip hop. El clarinetista de formacion clasica Don Byron habia hecho su aparicion en la escena neoyorquina a principios de la decada de 1990, al igual que el saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis Fowlkes, ambos exmiembros de Jazz Passengers. Por ultimo, el grupo B Sharp Jazz Quartet inserto su obra entre el hard bop y el free jazz.^[90]

Mas alla de las fronteras de Nueva York, continuaban apareciendo en los ultimos anos del siglo pasado una serie de artistas, que desarrollarian el grueso de su trabajo --en el que reelaboraban los conceptos establecidos por generaciones de jazzistas anteriores de multiples y creativas maneras-- ya en el nuevo siglo. Por ejemplo, el bajista Michael Formanek habia debutado en 1990, y el argentino Guillermo Gregorio o el canadiense Paul Plimley, ya habian editado discos a mediados de la misma decada. El yugoslavo Stevan Tickmayer, por su parte, colidero The Science Group, un intento de fusionar la musica de camara con la improvisada. Otros musicos destacados de esta primera generacion del nuevo siglo, son Greg Kelley, y el violinista canadiense Eyvind Kang, uno de los mas eclecticos musicos de su generacion^[91] Tambien a comienzos de los anos 2000, aparecieron los discos de confirmacion de musicos como el trombonista Josh Roseman, el contrabajista Ben Allison, el saxofonista David Binney, o el pianista Jason Lindner, todos ellos norteamericanos. Destacan tambien los trabajos del frances Erik Truffaz y del trompetista israeli Avishai Cohen.

La revolucion que habia traido consigo la musica electronica ejercio tambien su influencia en el desarrollo del jazz, que asistio al surgimiento de una nueva generacion de improvisadores, que venian de la tradicion del free jazz pero que recogian la influencia de la vanguardia clasica y de la electronica: Ben Neill, el guitarrista y teclista Kevin Drumm, el percusionista suizo Gunter Muller, o Miya Masaoka, de origen japones pero nacida en Washington D. C.. Otros creadores, como Tyondai Braxton, o el trompetista noruego Nils Petter Molvaer, experimentaron con la manipulacion de loops orquestales y, caso tambien de Greg Headley, manipularon electronicamente los sonidos de sus instrumentos mientras que, por ultimo, grupos como Triosk efectuaron contribuciones importantes en la misma direccion.^[92]

En el campo del jazz rap, que ya se habia desarrollado bastante en las ultimas decadas del siglo XX, y comienzos del XXI, se produce una gran cantidad de obras, por parte de grupos y musicos provenientes del hip hop, como Kanye West, Crown City Rockers, Nujabes, A Tribe Called Quest, Madlib, el duo ingles The Herbaliser, o los franceses Hocus Pocus, entre otros.

Una de las mayores diferencias entre el jazz y la musica clasica europea tiene que ver con la formacion del tono: mientras que los distintos integrantes de una seccion de instrumentos en la orquesta clasica aspiran a obtener el mismo sonido de sus instrumentos, de forma tal que puedan ejecutar los pasajes del modo mas homogeneo posible, los musicos de jazz aspiran a lograr un sonido propio que los distinga del resto. El criterio no es ya la <> de sonido que buscan los musicos clasicos, sino lograr expresividad con el instrumento, y asi se puede decir que en el jazz la expresion esta por encima de la estetica. Esta caracteristica explica que muchos aficionados al jazz sean capaces de distinguir quien esta tocando tras las primeras notas, un fenomeno que suele asombrar a los no iniciados.^[93]

El fraseo de jazz tiene sus particularidades: Kid Ory, por ejemplo, solia tocar melodias circenses y de marchas militares, pero su caracteristico sonido convertia su musica en jazz, mientras que Stan Getz poseia un sonido similar al de los saxofonistas clasicos, pero su fraseo y el tipo de melodias que solia ejecutar hacian de el un musico de jazz. El fraseo en el jazz tiene su origen en la musica de los esclavos africanos en los campos de trabajo, caracterizada por el esquema basico de call-and-response (<>), y tambien en el modo que los negros americanos tenian de tocar los instrumentos clasicos europeos.^[94]

Por otra parte, se ha discutido con frecuencia sobre la cuestion racial en el jazz. Roy Eldridge, por ejemplo, afirmo poder distinguir a los musicos blancos de los negros, pero en una prueba a ciegas a la que fue sometido fallo constantemente.^{[cita requerida]} Con independencia de cualesquier consideraciones, lo cierto es que musicos negros y los blancos han colaborado a menudo con resultados muy positivos (Fletcher Henderson y Benny Goodman; Neal Hefti y Count Basie), que algunos musicos negros como Charlie Mingus han estado al frente de la vanguardia experimental reservada comunmente a los musicos blancos, y que algunos musicos blancos, como Gerry Mulligan o Al Cohn han senalado constantemente la importancia de elementos tipicamente negros como el swing o el blues.^[94]

La improvisacion es una de las caracteristicas definitorias del jazz.^[95] Se trata de un concepto muy antiguo, que se remonta a la obra de grandes compositores clasicos como Johann Sebastian Bach, quien improvisaba a menudo sobre las armonias de sus obras. Aunque los primeros ejecutantes de jazz no sabian nada acerca de los compositores clasicos, el jazz adopto rapidamente la idea,^[96] convirtiendose desde su nacimiento en una musica esencialmente improvisada, donde los musicos parten de unos esquemas previos y de sus conocimientos y habilidades adquiridas a traves de sus anos de estudios para ejecutar solos improvisados sobre la estructura armonica de los temas. Un solo es, por definicion, una pieza musical ejecutada por un instrumentista con o sin acompanamiento, y en algunas obras didacticas se dice que la habilidad para ejecutar un buen solo se asemeja a la habilidad para contar una historia, donde no importa solo <>, sino tambien <> se dice. Para crear un solo, los musicos necesitan conocer algunos elementos basicos, como la estructura de acordes del tema sobre el que estan ejecutando el solo, la funcion que cada acorde juega dentro de la estructura armonica del tema o las escalas que se derivan de cada uno de los acordes que componen el tema, y luego deben integrar todos esos elementos con la melodia, que servira en muchos casos como "guia" para el solista. Ademas deben disponer de los conocimientos y la experiencia necesarios para poder interpretar toda esa informacion, lo que en la practica significa conocer a fondo el lenguaje del jazz y de sus distintos dialectos: jazz tradicional, swing, bebop, hard bop y las innovaciones ritmicas y armonicas que tuvieron lugar despues.^[97]

La mayoria de los temas de jazz desde la era del bebop en adelante estan basados estructuralmente en la forma de alegro de sonata de la teoria clasica: una introduccion opcional, la exposicion del tema (que a veces se repite), una seccion de desarrollo y el final, seguido opcionalmente por una coda. En la terminologia del jazz, tales secciones reciben comunmente los siguientes nombres:

• Intro, que es donde se fija el caracter de la pieza. Tiene caracter opcional.
• Tema (head en ingles), que es donde se ejecuta la melodia.
• Vueltas, ruedas o seccion de solos (solo section en ingles), que es donde los musicos ejecutan, por turno, sus solos.
• Vuelta a tema (head out en ingles), donde se vuelve a ejecutar la melodia.
• Coda, que da por concluida la interpretacion de los musicos y, con ello, la pieza. Como la intro, tiene tambien caracter opcional.

Aunque no todos los temas de jazz se ajustan a esta forma, la inmensa mayoria de ellos si lo hacen. Durante la seccion de solos, la seccion ritmica (comunmente formada por piano, contrabajo y bateria) continua tocando los acordes de la progresion armonica del tema para que los solistas improvisen por turnos sobre ella. Cada vez que se llega al ultimo de los acordes se vuelve de nuevo al primero, para iniciar una nueva "rueda" de acordes (chorus, en ingles) que sera aprovechada por el mismo solista para ampliar su solo, o por otro distinto para tomar su turno.^[98]

Dentro de este esquema basico, las dos estructuras mas comunes entre los standards de jazz son el blues y el esquema AABA. La mayoria de los temas de blues son variaciones del esquema basico de blues de doce compases,^{[nota 7]} mientras que el esquema AABA, muy popular no solo entre los temas de jazz^{[nota 8]} sino tambien en todo tipo de musica popular desde principios del siglo XX hasta la llegada del rock'n'roll, consiste en dos secciones:

• La seccion A, comunmente llamada "verso"
• La seccion B, denominada "puente"

Estas estructuras son solo dos de las mas conocidas y empleadas por los musicos de jazz, que suelen utilizarlas como guia para la improvisacion. No obstante, a lo largo de la historia, distintos musicos free como Cecil Taylor han demostrado que es posible crear jazz sin necesidad de atenerse a este tipo de estructuras formales.^[98]

Puede parecer que el arreglo y la improvisacion son dos aspectos contradictorios, pero en realidad los arreglos se han estado utilizando en el jazz desde la epoca de Nueva Orleans, no como un obstaculo a la improvisacion, sino como una ayuda a la creatividad. Cuando existen arreglos, el musico solista sabe a que atenerse, y de hecho, algunos de los mas grandes improvisadores de la historia, como Louis Armstrong, exigian tocar siempre con arreglos. Por otra parte, Fletcher Henderson, el primer gran arreglista de jazz de la historia, concedia gran importancia a la improvisacion en su orquesta, asi como Jelly Roll Morton o Duke Ellington, otro de los mas grandes arreglistas del jazz. Los arreglos en el jazz estuvieron presentes ya desde su surgimiento, en la obra de artistas como King Oliver, Clarence Williams o los ya citados Louis Armstrong y Jelly Roll Morton, asi como en otras agrupaciones de Nueva Orleans y de dixieland.^[99]

A diferencia de la musica clasica europea, en el jazz el arreglo no esta siempre escrito, y muchos arreglistas y directores musicales tienen la costumbre de discutir oralmente con sus musicos los arreglos antes de la ejecucion de la banda. El head arrangement, un termino que se utiliza desde la decada de 1930, se refiere a este fenomeno, y conceptualmente se situa entre la improvisacion y el arreglo escrito propiamente dicho. A lo largo de la historia del jazz el arreglo --como la improvisacion-- ha sufrido una serie de transformaciones que lo han llevado desde la musica de Charlie Parker o Miles Davis hasta las complejidades del free jazz, con su enfasis en el caracter improvisado de la musica. Las distintas tomas del mismo tema que Parker registraba en el estudio eran tan diferentes entre si que podian considerarse piezas nuevas, y John Lewis, del Modern Jazz Quartet subrayaba la conexion entre el trabajo de un arreglista y el de un compositor de jazz, conexion sobre la que se extiende Berendt:

El termino <jazz>> es, asi, una paradoja: jazz significa improvisacion y <> significa, al menos en Europa, exclusion de la improvisacion. Pero la pardoja puede hacerse fertil: el compositor de jazz estructura su musica en el sentido de la gran tradicion europea y deja sin embargo un espacio libre para la improvisacion.

Berendt^[100]

Para poder tocar su musica, el interprete de jazz necesita disponer de una serie de conocimientos teoricos y armonicos que son fruto a menudo de un largo periodo de formacion --sea autodidacta, sea en escuelas de jazz--, o de la experiencia practica adquirida en jam sessions. La teoria basica en el jazz comienza con la teoria de intervalos y la formacion de triadas y cuatriadas que se deriva de ella, asi como sus inversiones.^[101] La escala mayor y sus siete modos --el jonico, el dorico, el frigio, el lidio, el mixolidio, el eolico y el locrio-- forman parte tambien de la teoria basica que debe dominar por completo un musico de jazz, al igual que el circulo de quintas.^[102] Entre las progresiones armonicas mas comunes en el jazz se encuentran:

• La Progresion II-V-I, la mas comun de entre las progresiones de acordes caracteristicas del jazz.^[103]

• La progresion V-V, es decir, un acorde dominante que resuelve en otro acorde dominante. Es tambien frecuente la sucesion de acordes dominantes siguiendo el circulo de quintas.^[103]

• La progresion I-VI-II-V, otra de las mas comunes entre los musicos de jazz.^[104]

• La progresion III-VI-II-V, una variacion de la anterior de uso comun en turnarounds, un pasaje que conduce de una seccion del tema a otra.^[105]

• La progresion I-II-III-IV, esto es, los cuatro primeros acordes diatonicos de una tonalidad, sobre los que se suele improvisar sobre la escala lidia, el cuarto grado de la tonalidad.^[106]

• La progresion I-IV, con distintas variantes.^[107]

Otro aspecto importante en la teoria del jazz es la relacion acorde-escala, es decir, la correspondencia que se establece entre los acordes que componen la progresion armonica de un tema y las escalas que el musico emplea para improvisar sobre ellos. En este sentido, las cuatro escalas mas importantes, de las que se derivan la mayoria de las armonias utilizadas por los compositores de jazz son la escala mayor, la escala melodica menor, la escala disminuida y la escala de tonos enteros, y el conocimiento de todas ellas, asi como de sus modos es una parte importante del aprendizaje de todo musico de jazz.^[108] Otras aportaciones importantes son las escalas bebop --modos jonicos, doricos y mixolodios de la escala mayor y la escala melodica menor con una nota de paso anadida--, las escalas pentatonicas mayores y menores, las distintas variaciones armonicas del blues y, por ultimo, los rhythm changes, un esquema armonico estandar basado en la progresion armonica del clasico <<I Got Rhythm>>, de George Gershwin.^[109]

La rearmonizacion, por otro lado, es una tecnica que los musicos de jazz emplean frecuentemente para reinterpretar un tema, dandole un toque mas interesante y personal. Consiste, basicamente, en cambiar los acordes del tema que se esta ejecutando, sustituyendolos por otros distintos sin alterar en exceso la melodia y el espiritu original del tema. Para rearmonizar un tema pueden seguirse distintas estrategias:^[110]

• Alterar sus acordes.
• Aumentar el numero de acordes.
• Reducir el numero de acordes.
• Sustituir un acorde, o un grupo de ellos, por otro(s).

En la practica, dos de las tecnicas mas comunes para ello son la rearmonizacion de un acorde dominante por una progresion II-V, y la sustitucion por tritono^[110]

Capitulo aparte en la teoria del jazz merece el jazz modal, un subestilo caracterizado por el uso de pocos acordes y mucho espacio armonico, que fue popularizado por Miles Davis en su album de 1959 Kind of Blue. En el disco se encuentra <<So What>>, un tema de solo dos acordes que resume a la perfeccion la esencia del jazz modal: dejar mucho mas espacio para la improvisacion en cada acorde de lo acostumbrado en la mayoria de temas y standards, de manera que resulte natural para el musico explorar con detalle la escala musical o modo derivado de cada acorde, en lugar de centrarse simplemente en las notas del acorde.^[111]

Toda agrupacion de jazz dispone, con independencia de su tamano, de una "seccion melodica" y una "seccion ritmica". La primera esta compuesta de instrumentos melodicos como el saxofon, la trompeta o el trombon, mientras que la segunda la componen instrumentos como la bateria, la guitarra, el contrabajo y el piano, siempre y cuando no pasen a primer plano ejecutando, por ejemplo, un solo. En general, la seccion ritmica es la encargada de proveer el colchon armonico y ritmico sobre el que tiene lugar la ejecucion de melodias y solos, aunque pueden producirse excepciones e inversiones de esta regla, especialmente en el jazz moderno. Algunos criticos opinan que la seccion ritmica esta intimamente conectada con los origenes africanos del jazz, mientras que la melodia y la armonia proceden de la musica clasica europea, una musica donde, tradicionalmente, el ritmo ha jugado un papel menos importante, una diferencia que resulta especialmente patente si la comparamos con la musica tradicional de otros lugares del mundo.^[112]

La unidad ritmica basica en el jazz es el beat, el pulso que en principio han de marcar a lo largo de la pieza el baterista y el bajista, o al menos uno de ellos; esto es asi en la inmensa mayoria de las ocasiones, aunque en muchas otras, sobre todo en el free jazz, se de por sobreentendido y no se marque. Respecto al swing, J. E. Berendt nos dice:

[El swing] se produjo ahi donde el sentido ritmico del africano <> al compas regular de la musica europea y a traves de un largo y complejo periodo de fusion.^[113]

A lo largo de la historia del jazz, y con cada una de sus etapas, ha prevalecido una concepcion diferente de los ritmos fundamentales, que fueron muy distintos para los musicos de las eras del ragtime, del dixieland, del swing o del bebop.^[113] Los musicos del free jazz no se limitaron ninguna formula basica; algunos reemplazaron el beat por lo que denominaron el pulso, una unidad ritmica rapida y nerviosa que no resultaba facil identificar o aislar; otros utilizaron formulas ritmicas heterogeneas, introduciendo ritmos exoticos que procedian de la musica africana, arabe o hindu, hasta el punto de que no es infrecuente encontrarse con quien piensa que el free jazz, una vez desaparecido el patron basico del swing, ya no puede considerarse estrictamente como jazz.^[114]

Por ultimo, a partir de la decada de 1970 la corriente mainstream volvio a un cierto tradicionalismo en el aspecto ritmico, al tiempo que surgio el jazz rock y el jazz fusion, con un planteamiento muy diferente: los bateristas de ese estilo, como Billy Cobham, sustituyeron los patrones ternarios (atresillados) de subdivision del swing tradicional por patrones de subdivision binaria que se acercaban a los ritmos utilizados por los musicos de rock o de la musica latina.^[115]

La melodia, intimamente relacionada con la armonia, ha recorrido una evolucion singular a lo largo de la sucesion de las distintas etapas de la historia del jazz. En el jazz primitivo apenas existia algo que pudiesemos llamar melodia, que en todo caso, no diferia mucho de las melodias de la musica de circo, de las marchas militares, o de la musica de piano y de salon del siglo XIX. Conforme el fraseo de los solistas evolucionaba, fue ejerciendo una notable influencia en la melodia, modelando poco a poco un tipo de melodia caracteristica, la <>, caracterizada por su fluidez, su naturaleza improvisada, su renuncia expresa del uso de negras y corcheas y por su gusto por los matices y la individualidad de la interpretacion.^[116]

En el ambito del free jazz se han observado dos tendencias opuestas respecto a la melodia: por un lado la de aquellos musicos que quisieron conservar toda la fuerza expresiva del fraseo de los musicos de generaciones anteriores como Lester Young y Charlie Parker, y por el otro la de aquellos que prefirieron desplazar el enfasis hacia el sonido, tal y como, por ejemplo, Bubber Miley hizo con sus <>.^[117]

La melodia concreta del tema sobre el que se improvisa se ha vuelto progresivamente menos importante con el transcurrir del tiempo, y algunos de los musicos mas modernos improvisan tanto que la melodia pierde para ellos casi su sentido; frecuentemente, de hecho, el tema es irreconocible para el oyente, pues el musico no improvisa sobre la melodia del tema, sino sobre sus acordes, a menudo rearmonizandolos o alterandolos de algun modo alejandose por completo del tema original. El arte de inventar nuevas melodias sobre progresiones armonicas conocidas se ha ido desarrollando a lo largo de la historia del jazz; los primeros improvisadores recorrian <> las notas correspondientes a cada acorde, mientras que en el jazz moderno se buscan lineas melodicas <> que trascienden las limitaciones de la armonia que imponian los acordes en los primeros tiempos.^[118]

Los primeros musicos bop se saltaban a proposito las divisiones estructurales para dificultar la orientacion de los colegas que pretendian copiar sus ideas. Asi, para los oyentes del bop resultaba dificil determinar donde comenzaba y donde acababa un solo, una tendencia que encontro su maxima expresion entre los musicos del movimiento free, una musica en la que improvisaba colectivamente hasta la propia forma del tema, con momentos de tension que iban seguidos de otros momentos de calma. El contraste entre tension y relajacion tiene su origen en los musicos de Kansas City de la decada de 1930, aunque fue Charlie Christian quien adopto la tecnica en su estilo de improvisacion, alternando la ejecucion de riffs con improvisaciones melodicas que resolvian la tension creada por los primeros.^[119]

Desde finales de la primera decada del siglo XX, y hasta aproximadamente 1950, la instrumentacion basica usada por los musicos de jazz fue esencialmente la misma: dos metales (trompeta y trombon), dos instrumentos de lengueta (saxofon y clarinete) y la seccion ritmica (bateria, contrabajo, piano y, en ocasiones, guitarra). La historia del jazz puede ser escrita para cada instrumento, pues en cada uno de ellos han ido apareciendo figuras y revoluciones que han ido moldeando con el tiempo no solo su tecnica, sino la manera de conceptualizar su funcion dentro de la banda. Desde una perspectiva similar, la historia del jazz se caracteriza por el lugar predominante que cada instrumento ha ido adquiriendo a traves de sus distintas etapas:^[120]

• El piano domino el periodo del ragtime.
• Los "Reyes del Jazz" (King Oliver, Louis Armstrong...) fueron siempre trompetistas durante la epoca de Nueva Orleans y Chicago.
• La era del swing fue la edad dorada del clarinete.
• Lester Young y Charlie Parker impusieron el saxofon como el instrumento principal en los anos 40: al principio el tenor, luego el alto y despues nuevamente el tenor. Menos preponderante, el saxo baritono conto con un referente destacado a partir de la irrupcion de Gerry Mulligan.
• Desde principios de la decada de 1970 la instrumentacion electronica (pianos, guitarras y bajos electricos, sintetizadores) fue cobrando cada vez un mayor protagonismo en el sonido del jazz.^[120]

Ha habido tres grandes transformaciones en cuanto a la instrumentacion en el mundo del jazz: la primera, cuando Lester Young introdujo la idea de que con cualquier instrumento se podia tocar jazz; lo jazzistico no dependia tanto del timbre del instrumento como del hecho de que con el se pudiese ejecutar el fraseo adecuado con la suficiente flexibilidad y claridad;^{[nota 9]} La segunda tuvo lugar a mediados de la decada de 1970, al irrumpir con fuerza los instrumentos electricos y electronicos, redefiniendo <jazz>> e introduciendo nuevos instrumentos que posibilitaban novedosas formas de expresion artistica; y la tercera, al abrirse el jazz al mundo de la world music, con nuevos sonidos instrumentales.^[121]

La historia del jazz, por haber comenzado con el ragtime, comenzo tambien con el piano como protagonista, si bien es cierto que las primeras bandas de jazz de Nueva Orleans carecian de ese instrumento. El piano tiene una serie de ventajas sobre otros instrumentos caracteristicos del jazz: es polifonico y no monofonico como los instrumentos de viento, y no se limita a la ejecucion de melodias, sino que permite la ejecucion de ritmos y de armonias, lo que hace de el un instrumento mas completo capaz de un buen desempeno como instrumento solista.^[122]

El primer pianista de jazz de cierta importancia fue Scott Joplin (1868-1917), conocido como <>.^[123] Jelly Roll Morton, uno de los primeros gigantes del jazz y la persona que pretendio para si el titulo de <Jazz>>, fue el primer gran compositor de jazz propiamente dicho de la historia.^[124] De Harlem procedian James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith, Lucky Roberts, Duke Ellington y Fats Waller y es de ese mismo lugar de donde proviene el famoso stride, un estilo pianistico caracterizado por la alternancia de una nota de bajo en tiempos impares y un acorde con la mano derecha en los tiempos pares.^[125]

Entre los musicos de boogie-woogie destacaron Sam Price, Jimmy Yancey y Meade Lux Lewis, quien popularizo el honky tonk, un estilo similar que tiene por bandera su <>.^[126] Anos despues, heredero de este estilo, Fats Domino, se estableceria como una de las grandes figuras de R&B y del rock and roll.

Earl Hines estuvo a la cabeza de una tercera rama del desarrollo pianistico temprano, conocido como estilo <>, y desarrollado con posterioridad a los anteriores. El piano de Hines supuso el comienzo de una escuela que tendria como principales seguidores a Mary Lou Williams, Teddy Wilson, Nat King Cole y --especialmente-- Bud Powell, ademas de incontables pianistas contemporaneos.^[127] Pero es en Art Tatum, considerado como uno de los mayores talentos naturales que ha dado el jazz a lo largo de su historia, en quien confluyo todo lo que se habia logrado en el piano de jazz hasta la epoca en que se hizo famoso, esto es, a mediados de la decada de 1940.^[128] Bud Powell representa el otro extremo del virtuosismo, transformando el vocabulario bop de Charlie Parker para adaptarlo al piano. Su legado esta presente en practicamente todos los pianistas de jazz que surgieron detras de el y su figura es un referente imprescindible a la hora de entender el moderno piano de jazz.^[129]

Entre los pianistas que siguieron a Tatum se encontraban Billy Taylor, Martial Solal, Hank Jones, Jimmy Rowles, Phineas Newborn y el celebre Oscar Peterson, mientras que de Bud Powell procedian Al Haig, George Wallington, Lou Levy, Lennie Tristano, Hampton Hawes, Pete Jolly, Claude Williamson, Joe Albany, Dave McKenna, Toshiko Akiyoshi, Eddie Costa, Wynton Kelly, Russ Freeman, Harold Mabern, Cedar Walton, Mose Allison, Red Garland, Horace Silver, Barry Harris, Duke Jordan, Kenny Drew, Walter Bishop, Elmo Hope, Tommy Flanagan, Bobby Timmons, Junior Mance, Ramsey Lewis, Ray Bryant, Horace Parlan, Tete Montoliu, Roger Kellaway, Roland Hanna, Les McCann o Fritz Pauer.^[130]

Entre los pianistas de hard bop cabe destacar a Red Garland, Ray Bryant, Wynton Kelly, Junior Mance, Les McCann, Ramsey Lewis, Bobby Timmons, Tommy Flanagan, Barry Harris y Horace Silver.^[131] Lennie Tristano fue una figura crucial en la historia del piano de jazz, destacando sus aportes a la ensenanza, la adopcion pionera de ciertas practicas comunes entre los musicos clasicos contemporaneos y su figura como precursor del free jazz.^[132] El original Thelonious Monk, por su parte, con algunos de los standards mas famosos y versionados de la historia del jazz, influiria notablemente en pianistas como Randy Weston, Herbie Nichols o Mal Waldron.^[133]

Bill Evans fue uno de los pocos musicos blancos en ser admitido en los circulos del hard bop. Senalado por la critica como <Chopin del moderno piano de jazz>>, Evans fue, ademas, el primer pianista de jazz modal,^[134] y hoy es considerado, junto a McCoy Tyner, como el pianista mas influyente de todos los tiempos, dejando sentir su legado en la obra de Herbie Hancock, Keith Jarrett, Chick Corea o Brad Mehldau.^[135]

Entre los pianistas al margen de las corrientes establecidas podemos citar a Jaki Byard, Milt Buckner, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis o Erroll Garner,^[136] de quien a su vez partieron Ellis Larkins y Ahmad Jamal.^[137] En una orbita diferente, dentro del third stream, destaca el frances Jacques Loussier.

En el free jazz sobresalio Cecil Taylor, pero tambien destacaron otros pianistas que desarrollaron su estilo a partir de el o de forma independiente: los estadounidenses Paul Bley, Carla Bley, Ran Blake, Sun Ra, Burton Greene, Dave Burrell, Bobby Few, Muhal Richard Abrams, Don Pullen, Anthony Davis y Amina Claudine Myers; los britanicos Howard Riley y Keith Tippett; los holandeses Fred Van Hove, Leo Cuypers y Misha Mengelberg; el belga John Fisher; el aleman Alexander von Schlippenbach; los austriacos Dieter Glawischnig y Friedrich Gulda; el japones Yosuke Yamashita; la suiza Irene Schweizer; y el italiano Giorgio Gaslini.^[138]

Andrew Hill fue un pianista inclasificable cuya obra orbito siempre en torno a las fronteras del free jazz;^[139] Dollar Brand, desde una perspectiva similar, fusiono los sonidos de su Sudafrica natal con la sensibilidad y la tecnica de los musicos clasicos, mientras que Keith Jarrett revoluciono el mundo del jazz con sus conciertos a piano solo totalmente improvisados y con sus posteriores exploraciones de standards con su trio.^[140]

Herbie Hancock es, al igual que su mentor Miles Davis, una de las figuras mas reverenciadas y a la vez controvertidas de la historia del jazz, con una obra arriesgada y extraordinaria que ha recorrido todos los desarrollos que han tenido lugar en el mundo del R&B, del funk y del jazz rock, volviendo siempre una y otra vez al jazz acustico.^[141] Chick Corea procede, como Hancock, del circulo de musicos que alcanzaron notoriedad a raiz de su colaboracion con Miles Davis, y es considerado como una de las figuras clave de la evolucion del jazz desde la decada de 1960.^[142] Otros pianistas y teclistas de jazz fusion son Patrice Rushen, Joe Zawinul, George Duke, Ben Sidran, Milcho Leviev, Stu Goldberg, Bob James o Jan Hammer, asi como el holandes Jasper van 't Hof y los alemanes Joachim Kuhn y Wolfgang Dauner, todos ellos excelentes musicos que se han expresado a menudo tambien con el piano electrico o el sintetizador.^[143]

El mas importante pianista de la corriente principal del jazz desde el comienzo de la decada de 1970 es, para Berendt, McCoy Tyner, un pianista que surgio en el grupo de Coltrane y que durante muchos anos ha recibido el reconocimiento como mejor pianista de la escena en la mayor parte de las encuestas de jazz en el mundo.^[144] La figura de Tyner ha sido esencial para el desarrollo de un sinnumero de pianistas posteriores como Mulgrew Miller, Hal Galper, John Hicks, Hilton Ruiz, Joanne Brackeen o el belga Michel Herr; para toda la generacion de pianistas neo-bop: Onaje Allan Gumbs, Kenny Barron, Kenny Kirkland, George Cables, Mickey Tucker, Mike Wofford, Andy LaVerne, John Coates, Jim McNeely o Mark Soskin; y para un buen numero de musicos europeos como los britanicos Stan Tracey y Gordon Beck.^[145]

De entre los pianistas contemporaneos de la corriente principal destacan Geri Allen, Uri Caine, Cyrus Chestnut, Brad Mehldau o Michel Petrucciani,^[146] entre otros muchos. En el mundo del jazz latino sobresalen Eddie Palmieri, Hilton Ruiz, Chucho Valdes, Gonzalo Rubalcaba, Michel Camilo o Eliane Elias.^{[147] [148]} De los pianistas que han fusionado su pasion por el flamenco con el jazz destaca, por encima de todos, Chano Dominguez.^[149]

En muchos aspectos, la posicion que la trompeta ha tenido en el jazz ha sido inversa a la que ha ocupado el saxo, y especialmente el saxo tenor. Desde los primeros tiempos del hot, y hasta la revolucion bop, la trompeta ha sido <jazz>>, tanto por el gran numero de grandes solistas que ha dado, como por su papel dominante en los combos de jazz tradicional y en las big bands de swing.^[150]

En los comienzos del jazz, se usaba basicamente la corneta, al ser entonces mucho mas barata y facil de conseguir que una trompeta.^[151] Cornetistas fueron los lideres de las primeras bandas de las que se tiene noticia, apenas unos anos despues de la Guerra de Secesion, en la prehistoria del jazz (Louis Ned, Sam Thomas, Robert Baker, James L. Harris)^[152] y de las bandas mas famosas de finales de ese siglo, como James Williams o, sobre todo, Buddy Bolden. Cornetistas fueron tambien los principales nombres de la primera generacion <> del jazz, la que cabalga sobre el paso del siglo XIX al XX: Freddie Keppard, Manuel Perez, Bunk Johnson, Papa Mutt Carey, Papa Celestin, Natty Dominique y King Oliver. Estos son los primeros cornetistas de jazz en ser grabados, y su sonido se revela como "primitivo": aspero, duro y terroso, en palabras de Berendt. Establecieron, especialmente Oliver, un modelo de cornetista hot solido e imaginativo, cuyo papel como lider de la banda era indiscutible y que asumia el peso de la interpretacion del tema principal, con el contrapunto armonico y ritmico del clarinete y el trombon, la <> del hot.

La segunda generacion de cornetistas de Nueva Orleans supuso el primer gran cambio en el sonido y enfoque del instrumento. Muy influidos por Oliver, comenzaron a aportar al sonido de la corneta un vigor y expresividad que hasta entonces no era usual. Kid Rena y Tommy Ladnier fueron los primeros, acentuando los registros graves de su instrumento,^[153] pero la principal figura de esta generacion fue, sin duda, Louis Armstrong quien estableceria, a comienzos de los anos 1920, el modelo de sonido que marcaria la trompeta hasta los anos 1940. Fue tambien <jazz dejara de ser un estilo colectivo y se transformara en un arte de solista>>.^[154] Sus principales discipulos fueron Teddy Buckner, Hot Lips Page y Jonah Jones. Esta fue la generacion que, en la segunda mitad de la decada de 1920, abandono masivamente la corneta para pasarse a la trompeta de pistones, que les permitia mayores recursos tecnicos. A ella pertenecieron tambien los primeros grandes trompetistas blancos de hot: desde el dixieland de Nick La Rocca, pasando por el estilo Chicago de Sharkey Bonano o Muggsy Spanier, hasta el mas sofisticado estilo Nueva York de Red Nichols y Phil Napoleon. Aunque el mas influyente de los trompetistas blancos de la epoca fue Bix Beiderbecke, quien nunca abandono la corneta, a pesar de lo cual <jazz armonica y melodicamente>>.^[155]

El camino abierto por Armstrong y Beiderbecke fue dominante entre los trompetistas de big band de los anos 1930. Muy influidos por este ultimo, encontramos a trompetistas como Bunny Berigan, Jimmy McPartland, Bobby Hackett, Max Kaminsky, Wild Bill Davison o Rex Stewart.^[156] Precisamente algunos de los musicos citados, como Stewart, pueden encuadrarse en un estilo muy caracteristico de los comienzos de esa decada, desarrollado en el seno de la big band de Duke Ellington y que se conocio como jungle style.^[157] El primero de los trompetistas de jungle fue Bubber Miley, quien pertenecia a la misma generacion de King Oliver, con quien era frecuentemente comparado.^[158] Usaba la sordina para conseguir efectos de sonido, de una manera que luego fue continuada, no solo por Stewart, como ya se ha dicho, sino por la generacion posterior, con Cootie Williams, Ray Nance y Clark Terry como figuras mas destacadas. Las grandes orquestas dieron impulso, tambien, a un tipo de trompetista especializado en los registros agudos del instrumento, hasta tesituras casi imposibles, como Cat Anderson, Al Killian o Maynard Ferguson. Tambien a trompetistas brillantes, de corte mas comercial, muchos de ellos blancos, como Harry James. Todos estos trompetistas pueden adscribirse a la "escuela Armstrong", incluyendo los mas jovenes como Terry, quien adapto el peculiar estilo de Rex Stewart (que apretaba solo a medias los pistones) al jazz moderno.^[159]

Tambien Red Allen fue inicialmente un <>. Sin embargo, fue precisamente Allen quien inicio una via nueva de desarrollo de la trompeta de jazz, trasladando el enfasis desde la sonoridad al fraseo. Esta tendencia hacia un <> se fue haciendo evidente con los trompetistas de la generacion que se consolido a comienzos de los anos 1940: Especialmente Roy Eldridge, aunque tambien Harry Edison, Charlie Shavers y Buck Clayton. Como consecuencia de la paulatina preponderancia del saxofon, la <> comenzo a considerarse un ideal para los trompetistas, y el propio Eldridge reconocia que <>.^[160] Trompetistas mas jovenes fueron claramente discipulos de ellos, como Joe Newman, Ruby Braff o Warren Vache.

El camino iniciado por Allen y continuado, sobre todo, por Eldridge, desemboco en Dizzy Gillespie. Gillespie es, para muchos autores, la gran figura de la trompeta de jazz, despues de Armstrong, y todos los trompetistas de jazz moderno estan influidos por el,^[161] comenzando por los mas importantes de la generacion de mediados de los 40: Fats Navarro, Kenny Dorham, Howard McGhee y Miles Davis. Este ultimo comenzo con un estilo casi calcado al de Gillespie, aunque pronto evoluciono hacia formulas mucho mas personales. De hecho, como indica Berendt, acabo convirtiendose en <jazz moderna: arcos melodicos liricos, menos vibrato aun que Dizzy, sonido melancolico y conceptos poco condescendientes>>. Seguidores directos de Davis, fueron Chet Baker, Johnny Coles y Art Farmer, quien fue tambien el primer especialista en fliscorno, un instrumento que a partir de la decada de 1960 se hizo cada vez mas usual entre los trompetistas de jazz. Mucho mas linealmente relacionado con Gillespie y Navarro, se encuentra el principal trompetista de los anos 1950, Clifford Brown; junto a el, musicos del West Coast jazz, como Dupree Bolton, Don Fagerquist o Conte Candoli.

Sin embargo, y a pesar de la presencia de instrumentistas de alto valor, la posicion de la trompeta en el jazz habia decaido frente al papel cada vez mas preponderante del saxo. Los anos 50 y 60 del siglo XX dieron a luz a un gran numero de trompetistas de nivel, tanto dentro de la linea del hard bop (Donald Byrd, Thad Jones, Lee Morgan, Bill Hardman, Nat Adderley, Woody Shaw, Blue Mitchell, Dusko Gojkovic...) como del free jazz (Don Cherry, Lester Bowie, Clifford Thornton, Don Ellis, Mike Mantler...), aunque ya no hubo entre ellos musicos con el peso que tenian otros instrumentistas. De los citados, el que consiguio mas renombre, y para algunos autores el mas brillante de esta generacion, fue Freddie Hubbard,^[162] quien ademas fue uno de los primeros trompetistas en seguir la senda del jazz rock, influyendo en la generacion mas joven (Chuck Mangione, Randy Brecker, Eddie Henderson, Jon Faddis, Lew Soloff...). Otros trompetistas de esta generacion deben ser destacados, bien por su trabajo con artistas de primer nivel (como Jack Walrath con Mingus), bien por su calidad, dentro de la corriente principal del neo bop: Bobby Shew, Tom Harrell, Jimmy Owens o Wynton Marsalis.

En las ultimas decadas del siglo XX, y comienzos del XXI, los estilos de fusion han dado relieve a trompetistas menos apegados a la influencia del tandem Gillespie-Davis, especialmente fuera de los Estados Unidos. Entre ellos, destacan los britanicos Kenny Wheeler, Harry Beckett e Ian Carr; el italiano Enrico Rava; los alemanes Manfred Schoof y Till Bronner; el danes Palle Mikkelborg; el noruego Nils Petter Molvaer; el frances Erik Truffaz; el israeli Avishai Cohen; el norteamericano, Dave Douglas; o el libanes Ibrahim Maalouf.

El trombon forma parte de la Brass Section, termino que hace referencia en las big bands al grupo de metales formado por trompetas y trombones, por contraposicion a la reed section (seccion de lengueta), el grupo de los saxofones y los clarinetes.^[163]

El trombon esta presente en el jazz desde la prehistoria del genero, y su papel inicialmente era el de hacer el contrapunto grave a la melodia principal, que era desarrollada por la corneta.^[164] Una de las primeras tecnicas instrumentales propias del jazz es el trombone tailgate. El estilo tailgate debe su nombre al hecho de que el trombonista requeria mas espacio en los vagones en los que viajaban las orquestas que los otros musicos, y se popularizo en las orquestas de marcha de Nueva Orleans de la mano, sobre todo, de Kid Ory.^[165] No solo Ory fue un trombonista relevante en este estilo, tambien han permanecido los nombres de Frank Dusen, Honore Dutrey, Ed Cornish o George Fihle. Charlie Green fue otro de los pioneros del instrumento, y el primero de los grandes solistas de la orquesta de Fletcher Henderson, a la que llego poco antes que Louis Armstrong.^[166] George Brunies fue uno de los primeros trombonistas blancos de importancia, inductor de la liberacion ritmica que, para el trombon, supuso el dixieland.^[165]

Jimmy Harrison fue uno de los primeros trombonistas capaces de ejecutar solos de gran contenido melodico y llenos de expresividad en el trombon, y tambien uno de los primeros en lograr el sonido mordiente de la trompeta con su instrumento. En Nueva York, Miff Mole fue, en ciertos aspectos, la contrapartida blanca de Harrison, situando definitivamente el trombon como un instrumento solista de pleno derecho e influenciando poderosamente a trombonistas del estilo de Chicago como Tommy Dorsey o Jack Teagarden.^[165] Dorsey, el mas popular entre los directores de orquesta de la era del swing, puso al frente de su banda el sonido melodico y distintivo de su instrumento, y cosecho un enorme exito,^[167] mientras que Teagarden, capaz de hacer sonar su instrumento con la agilidad de una trompeta, se impuso como uno de los mas grandes trombonistas de la era pre-bop.^[168]

De la banda de Duke Ellington surgieron Joe Nanton, Juan Tizol y Lawrence Brown. Nanton fue el gran representante del estilo growl,^{[nota 10]} Tizol (coautor junto a Ellington de "Caravan", uno de los primeros temas de influencia latina) no tocaba el trombon de varas, sino el de pistones, mucho menos comun, mientras que Brown destaca por preferir las melodias cantables.^[169]

Los grandes trombonistas del swing fueron Benny Morton, Dicky Wells, Vic Dickenson, J. C. Higginbotham y Trummy Young. Morton, Wells y Dickenson fueron miembros de la orquesta de Count Basie,^[170] mientras que Higginbotham salto a la fama desde el seno de la orquesta de Luis Russell gracias a un sonido particularisimo.^[171] Trummy Young, por su parte, nunca alcanzo una notoriedad excesiva a pesar de su talento, mas alla de su version de Margie, un tema que cosecho un gran exito en su tiempo.^[172]

Descendiente de Young e inspirado por otros trombonistas de la era del swing, como Higginbotham y Morton, tenemos a J. J. Johnson, considerado por muchos como el trombonista mas grande de todos los tiempos. Johnson fue el primer trombonista en lograr transferir el lenguaje de los pioneros de bebop Charlie Parker y Dizzy Gillespie a su instrumento, tocando con tal velocidad y pulcritud que parecia que utilizaba un trombon de pistones y no el de varas.^[173] El danes Kai Winding se convirtio en la contrapartida blanca de Johnson, llegando a codirigir algunas formaciones y grabaciones con el.^[174]

De entre los musicos de hard-bop que surgieron una decada mas tarde que Johnson y Winding destacan Curtis Fuller, de la generacion de Detroit; Jimmy Knepper, descubierto por Mingus y con un estilo a caballo entre el swing y el bebop; Julian Priester, Garnett Brown y Slide Hampton, musicos de gran versatilidad y con una larga carrera a sus espaldas.^[175]

Para Berendt, Bill Harris es, junto a J. J. Johnson, el trombonista mas influyente de la historia del jazz. Del uno y del otro descienden Frank Rosolino, surgido de la orquesta de Stan Kenton y de tipico estilo italoestadounidense, lleno de humor, al igual que Carl Fontana, Frank Rehak y Eddie Bert; el versatil Al Grey; Urbie Green, conocido sobre todo a raiz de su estancia en la big band de Benny Goodman; y Bill Watrous. Willie Dennis, surgido de la escuela de Lennie Tristano, goza de una particular brillantez tecnica, al igual que Jimmy Cleveland. Bob Brookmayer, con el trombon de pistones, representa por ultimo una vision mas clasicista entre la generacion de trombonistas de la decada de 1960.^[176]

Trombonistas mas jovenes que llevaron adelante la tradicion de J. J. Johnson fueron Janice Robinson, Bruce Fowler, Dave Bargeron, el multiinstrumentista Tom Malone y Jiggs Whigham, mientras que del ambito del free jazz proceden Grachan Moncur III, Roswell Rudd y Joseph Bowie^[176]

Durante la decada de 1970 el escenario del trombon, como le habia pasado en su dia al del clarinete, se estanco, y los principales pioneros del desarrollo de su empleo en el jazz --Jay Jay Johnson, Kai Winding y Bill Harris-- desaparecieron de la escena. Fue entonces cuando irrumpio una nueva generacion de trombonistas europeos encabezada por el ingles Paul Rutheford, el sueco Eje Thelin y, sobre todo, el aleman Albert Mangelsdorff, quien desarrolla por primera vez una tecnica que, mediante el empleo de armonicos le permitia ejecutar acordes polifonicos con el trombon, un instrumento monofonico.^{[176] [nota 11]} Mientras tanto, en Estados Unidos surgio Ray Anderson, que recogia la tradicion desinhibida y pendenciera de figuras del jazz como Fats Waller, Louis Armstrong y Dizzy Gillespie, llevando al mismo tiempo al instrumento al limite de sus posibilidades sonoras con la adaptacion de la tecnica multitimbrica desarrollada por Dick Griffin, una tecnica que le permitia ejecutar acordes y armonias con ayuda de su propia voz.^[177] George Lewis continuo investigando el espectro sonoro de su instrumento, incorporando el ordenador como instrumento en una carrera que incluye el album Homage to Charles Parker (1979), considerado una obra maestra por la critica especializada.^[178]

En el panorama de los ultimos anos, Steve Turre se situo como uno de los mejores trombonistas de las decadas de 1980 y 1990, con una obra compleja y extensa en la que introdujo las conchas como parte integrante de su musica.^[179] Rob McConnell, un excelente solista, situo su big band entre las mejores del panorama,^[180] Robin Eubanks destaco en numerosos contextos, incluyendo la big band de McCoy Tyner o la banda de Stevie Wonder,^[181] al igual que George Bohannon, uno de los trombonistas de sesion de mayor exito en el mundo.^[182] Mientras que Delfeayo Marsalis --hermano de Branford, de Wynton y de Jason e hijo de Ellis Marsalis-- continuaba una gran tradicion familiar en el trombon,^[183] Willie Colon se establecia como una de las principales figuras del instrumento del latin jazz,^[184] y el danes Nils Landgren hacia lo propio en el mundo del jazz funk,^[185] donde destaca hoy en dia Trombone Shorty, que mantiene fuertes influencias del jazz tradicional en un entorno musical funky.

En el primitivo jazz de Nueva Orleans, el clarinete marcaba el contraste entre la trompeta y el trombon, los dos instrumentos melodicos mas importantes, pero fue en la era del swing, en que el jazz disfruto de un exito comercial del que nunca volveria a gozar, cuando encontro su epoca de mayor esplendor el clarinete. Alphonse Picou fue el primer clarinetista de Nueva Orleans que marco un estilo con su famoso solo sobre el tema High Society, conocido por practicamente todos los clarinetistas posteriores. George Lewis, tambien de Nueva Orleans, fue otro clarinetista importante de esta primera etapa de desarrollo del instrumento, al igual que Jimmie Noone, Johnny Dodds y --especialmente-- Sidney Bechet. Noone adquirio fama por la delicadeza de su sonido, Dodds --el clarinetista predilecto de Louis Armstrong-- poseia, en cambio, un sonido mas salvaje, dominando especialmente los registros graves del instrumento, mientras que Bechet fue un maestro de la expresividad, primero con el clarinete y luego con el saxofon soprano. Albert Nicholas, procedente tambien de Nueva Orleans destaco por su tecnica y su imaginacion, patente aun en el a avanzada edad, y junto a Omer Simeon y Barney Bigard forma la que Berendt designa como la <jazz>>.^[186]

Entre los clarinetistas blancos de Nueva Orleans destaco Leon Rappolo de la New Orleans Rhythm Kings --una orquesta compuesta integramente por musicos blancos--, quien marco un estilo que fue seguido por musicos del estilo Chicago como Frank Teschemacher, Jimmy Dorsey y Pee Wee Russell. El primero tuvo una gran influencia en Benny Goodman, el segundo salto a la fama al frente de su orquesta, y el tercero, con un estilo que recordaba al de Chet Baker, fue llamado <>.^[187]

Durante la decada de 1930 surge Benny Goodman uno de los clarinetistas mas populares en la historia del jazz, y el musico a quien se atribuye que el clarinete y el swing vayan indisolublemente unidos. La expresividad y la riqueza de ideas de Goodman, desprovista de las sutilezas armonicas y tecnicas de musicos mas modernos, lo situo como el mas importante de los clarinetistas de su tiempo, y aun hoy su influencia es notable. Artie Shaw y Woody Herman pusieron el clarinete al frente de sus orquestas, y Jimmy Hamilton, Buster Bailey y Edmond Hall acusaron tambien directamente la influencia de Goodman.^[188]

Buddy DeFranco fue segun Berendt el mejor clarinetista de los que emergieron durante la decada de 1940, pero para entonces la era del swing habia llegado a su fin y el instrumento habia visto drasticamente reducida su popularidad.^[189] Conocido como <Charlie Parker del clarinete>>, pues la revolucion que llevo a cabo en su instrumento fue de dimensiones similares a la que Parker llevo a cabo con el saxo alto, Buddy De Franco no fue sin embargo el primer clarinetista en tocar bop en su instrumento: antes que el, el sueco Stan Hasselgard, el unico clarinetista que podia trabajar al lado de Benny Goodman en su orquesta, habia abierto este campo, pero su temprana muerte en accidente de trafico trunco una carrera que hubiera podido ejercer una notable influencia.^[190]

El siempre impredecible Jimmy Giuffre comenzo su carrera a mediados de la decada de 1940, y su calidez contrastaba directamente con la <> de Buddy DeFranco. John LaPorta y Sam Most llevaron al clarinete a territorios sonicos inexplorados, acercando su sonido al de la flauta, mientras que el aleman Rolf Kuhn y el estadounidense Tony Scott continuaron la tradicion del instrumento durante la decada de 1950. A partir de 1960, el sonido del jazz habia cambiado, y no era facil para los clarinetistas encontrar su lugar en combos y orquestas. Eric Dolphy rompio la situacion introduciendo el clarinete bajo para usarlo como un autentico instrumento de jazz. La tecnica de Dolphy hizo escuela, y pronto surgio toda una serie de musicos que continuaron la senda abierta, como el holandes Willem Breuker, el ingles John Surman, el aleman Gunter Hampel, el luxemburgues Michel Pilz, el frances Michel Portal y el italiano Gianluigi Trovesi, asi como los estadounidenses Douglas Ewart, L. D. Levy, Walter Zuber Armstrong y David Murray.^[191]

La entrada de la decada de 1970 supuso un nuevo empuje para el instrumento, con la aparicion de Bobby Jones, Rhasaan Roland Kirk y el virtuoso Eddie Daniels. Tom Scott y Alvin Batiste destacaron en el campo del jazz fusion, mientras que Anthony Braxton, John Carter, Michael Lytle y Perry Robertson hicieron lo propio en el mundo del free jazz. Por ultimo, entre los clarinetistas contemporaneos mas importantes destaca Perry Robinson, un musico que sintetiza estilos muy diversos en una musica polifacetica y universal.^[192]

El saxofon ocupa un lugar central en la imagineria del jazz, hasta el punto de ser el instrumento-referencia del mismo. Sin embargo, en los comienzos del jazz hot, y al menos hasta bien entrados los anos 1920, el saxo no logro encontrar un hueco en las formaciones del genero. Inicialmente serian apariciones muy puntuales: Sidney Bechet con el saxo soprano, los tenores Bud Freeman o Gene Sedric; Frankie Trumbauer con el saxo melodico en Do (intermedio entre el tenor y el alto); o Ernie Caceres con el baritono, aunque todos ellos ya muy avanzada la decada. Sera solamente a raiz de los cambios que los estilos de Chicago y, sobre todo, Nueva York introdujeron en el jazz, y que acabaron conduciendo a la aparicion del swing, que el saxofon comienza a ocupar un lugar predominante en el jazz, no sin las iniciales reticencias de la propia critica jazzistica.^[193]

En palabras de Joachim E. Berendt, <saxo soprano sigue donde el clarinete termina>>.^[194] La historia del saxo soprano en el jazz se inicia realmente en los anos 1960 aunque, antes de ello, hubo una gran figura del saxo soprano, practicamente aislada, en epoca tan temprana como 1920: Sidney Bechet, un clarinetista que, durante anos, simultaneo ambos instrumentos, aunque paulatinamente el soprano se fue convirtiendo en el principal, tocandolo con una gran expresividad y con la fuerza y fraseo de una trompeta.^[195] Sin embargo, Bechet tuvo muy pocos discipulos y todos ellos usaron el soprano como segundo instrumento (Johnny Hodges, Don Redman, Woody Herman, Charlie Barnet o Bob Wilber).

Fue Steve Lacy quien inicio el despegue del instrumento, desarrollando una tecnica muy personal, no deudora de Bechet, con resortes tecnicos hasta entonces desconocidos, como la aspiracion de las notas frente a su <>, tecnica que fue luego masivamente adoptada por los musicos de los anos 1960 y 1970. Despues, John Coltrane pondria el instrumento en primera linea del jazz, con una sola grabacion: <>, un sorprendente hit de ventas, que tuvo una influencia enorme en el jazz de los anos posteriores.^[196] El sonido del soprano se convirtio rapidamente en un sonido de moda en el jazz, tanto entre los musicos de free, como entre los post-boppers.

Un gran numero de saxofonistas usaron, a partir de este momento, el soprano con frecuencia, a veces incluso de forma predominante: Pharoah Sanders, Archie Shepp, Joseph Jarman, Sam Rivers, John Surman, Charlie Mariano, Jerome Richardson, Zoot Sims... Sin embargo, la gran figura del saxo soprano en los anos 1970 y el mas influyente en el desarrollo del instrumento despues de Bechet y Coltrane, ha sido Wayne Shorter. La influencia de Shorter es especialmente evidente en los musicos de jazz rock y fusion, como Tom Scott. Sin embargo, a partir de los anos 1980, en la escena del jazz se impuso un estilo de tocar el saxo soprano que se separaba claramente de la entonacion "africanizada" y expresiva de los saxofonistas de free-jazz y post-bop, originando una escuela que Berendt llama de <>, y cuyos ejemplos mas influyentes son Dave Liebman, Paul Winter y Jan Garbarek.^[197]

Apenas es posible encontrar musicos de hot que utilizaran el saxo alto, y menos aun que establecieran un estilo propio capaz de influir en otros instrumentistas. A finales de los anos 1920 y comienzo de los 30, la nomina de altos era muy escasa y poco significativa, destacando solo Don Redman, cuya influencia como arreglista y lider de big bands es indudable, pero que se prodigaba como saxofonista solo ocasionalmente. Ello es lo que ha permitido a algunos autores decir que la historia del saxo alto de jazz comienza en la epoca del swing, ya bien entrada la decada de 1930,^[197] desarrollandose tres escuelas impulsadas por los tres saxofonistas alto de mayor relieve de la epoca: Johnny Hodges, Benny Carter y Willie Smith, respectivamente. El sonido de Hodges se caracterizaba por un <<vibrato calido y expresivo y un modo de fundir los sonidos a manera de glissando>>,^[198] cargado de melancolia, que genero un gran numero de discipulos, los mas importantes de los cuales fueron Woody Herman y Charlie Barnet, este ultimo llegando casi al mimetismo. Por su parte, Carter tenia un sonido claro y ligero, casi contrapuesto al de Hodges, y fue el modelo en que se inspiraron la mayor parte de los musicos de big band.

Hasta bien entrados los anos 1940 no se produjo una profunda renovacion en el saxo alto de jazz a traves de Charlie Parker quien <jazz>>,^[199] adquiriendo un papel tan grande en la historia del jazz que practicamente ha ensombrecido a cualquier otro saxo alto de bop, incluido Sonny Stitt. Por otro lado, aparecio la escuela cool, cuyo principal pilar sonoro fue Lee Konitz, que influyo decisivamente en musicos como Paul Desmond, Bud Shank, Herb Heller y Paul Horn. Sin embargo, fue el estilo de Parker el que hizo escuela en las decadas siguientes, comenzando por Art Pepper y siguiendo por casi todos los altos de los cincuenta y sesenta: Cannonball Adderley, Jackie McLean, Oliver Nelson, Phil Woods, Charlie Mariano y muchos otros.

Hasta 1959, Parker seria la unica referencia entre los altos. Ese ano, irrumpio Ornette Coleman, cuya musica represento <jazz desde las innovaciones de Charlie Parker>>,^[200] y tuvo un <> sobre los restantes saxofonistas altos,^[201] hasta el punto de que, para muchos autores, Coleman es uno de los tres grandes nombres de la historia de jazz, junto con Louis Armstrong y Charlie Parker.^[202] Tras el, Eric Dolphy, Marion Brown, Anthony Braxton, Roscoe Mitchell, Oliver Lake y otros muchos, se adentraron por la via del free jazz. Toda la historia posterior del saxo alto en jazz esta fundamentada en estos dos pilares, Parker y Coleman, incluso entre los musicos provenientes del jazz rock, como David Sanborn, Eric Marienthal o Fred Lipsius.

El saxo tenor se ha convertido en el instrumento emblematico del jazz. Su evolucion dentro de este campo musical, sin embargo, ha sido creciente de manera gradual, desde el jazz tradicional en el que practicamente no encontramos interpretes de tenor, hasta la gran explosion de los anos 1940 en que, en palabras de Joachim E. Berendt, el jazz se <>. Solo algunos interpretes de tenor de jazz tradicional han quedado en la historia del instrumento: Bud Freeman, representante del llamado estilo Chicago, o Gene Sedric. No seria hasta la llegada del swing, en los anos 1930, que comenzaron a aparecer tenoristas en las bandas de jazz, y al principio alrededor de una unica escuela cuya cabeza fue Coleman Hawkins, con un estilo caracterizado por su sonoridad poderosa y voluminosa y el dramatismo de sus lineas melodicas. Todos los que tocaban el tenor en esos anos, eran discipulos de Hawkins:^[203] Chu Berry, Ben Webster, Illinois Jacquet, Herschel Evans, Benny Golson, Charlie Ventura... Sin embargo, la gran explosion del saxo tenor llego en los cuarenta, cuando Lester Young se convirtio en el <> del tenor. Su sonido era lo contrario del de Hawkins: suave, a media voz, de amplias lineas liricas y centrado en las tesituras altas del instrumento.

Young influyo en el estilo de casi todos los saxos tenores de su generacion y posteriores, incluso en los que ya tenian tendencia a la sonoridad de Hawkins, como Gene Ammons. Berendt organiza a los seguidores de Young en dos grandes bloques:^[204] De un lado, los musicos que reunieron las ideas de Lester con el bop (Wardell Gray, James Moody, Budd Johnson, Frank Foster, Dexter Gordon...); de otro, los de la escuela del <>, especialmente lo que se ha dado en llamar <Four Brothers>> dentro del West Coast jazz, con musicos como Stan Getz, Herbie Steward, Zoot Sims, Al Cohn, Buddy Collette, Bob Cooper, Richie Kamuca, Jimmy Giuffre...

Ya a mediados de los anos 1950, Sonny Rollins sera quien rompa el fuerte predominio de Young en el tenor y logre una significacion que se proyecta hasta bien entrados los sesenta.^[205] Durante un tiempo, la aparicion de John Coltrane, que de alguna manera seguia sus mismos planteamientos pero logro un impacto mucho mayor, freno su liderazgo.^[206] No obstante, su influencia, incluso mediatizada por la de Coltrane, se refleja en musicos relativamente <>, como Hank Mobley, Johnny Griffin, Booker Ervin, Teddy Edwards, Roland Kirk, Bobby Jones... Con el paso del tiempo, la influencia de Coltrane fue cada vez mayor entre los tenoristas, hasta el punto de que puede decirse que, desde la mitad de la decada de 1960, todos los saxofonistas modernos son sus <>. Berendt, los divide tambien en dos grandes grupos: Por un lado, los que se encuentran <> (Joe Henderson, George Coleman, Charles Lloyd, Joe Farrell, Billy Harper y otros muchos); por otro, los que proceden de la vanguardia del "free tonal",^[207] encabezados por Archie Shepp, Albert Ayler, Pharoah Sanders y Dewey Redman. Algunos de los mas destacados interpretes de tenor europeos, en esta linea, fueron Willem Breuker, Peter Brotzman o Jan Garbarek.

La cabeza mas visible de las corrientes influidas por el jazz fusion, a partir de 1970, fue Wayne Shorter que, tiempo atras, se habia dado a conocer en el campo del hard bop en un estilo claramente deudor de Coltrane, aunque las figuras mas propiamente "fusion" fueron musicos como Michael Brecker, John Klemmer, Tom Scott, Wilton Felder, Branford Marsalis, Lou Marini o Benny Maupin, ademas de figuras perifericas como Gato Barbieri. Tambien, y especialmente a partir de los anos 1980, un buen numero de saxofonistas tenores retomaron el bop: David Schnitter, Bob Berg, George Adams, o Lew Tabackin, entre otros, en muchos casos con evidentes influencias de Sonny Rollins.

El saxo baritono ha estado presente en el jazz desde el nacimiento del swing. Sin embargo no pudo hablarse de una verdadera eclosion del instrumento hasta que se afianzo el hard bop y, sobre todo, el jazz de la Costa Oeste. Durante al menos tres decadas, la escena del baritono en jazz estuvo totalmente dominada por Harry Carney, con un caracter monopolistico que no se da en ningun otro instrumento de jazz. Su estilo, potente, intenso y aspero, marco a casi dos generaciones de instrumentistas entre los que destacaron Ernie Caceres y Jack Washington.

Con la llegada del bop y el cool, de repente, florecio un gran numero de baritonistas de alta calidad, comenzando por Serge Chaloff, quien aplico a su instrumento todas las innovaciones tecnicas de Parker, y Pepper Adams, cuyo sonido afilado y ronco era claramente deudor del de Carney. El mas conocido y con mayor proyeccion de todos los baritonos de esta generacion, fue Gerry Mulligan,^[208] aunque la Costa Oeste proporciono otras figuras como Bob Gordon, y en la tradicion del bop se revelaron musicos como Cecil Payne, Charlie Fowlkes, Ronnie Cuber, Jack Nimitz o Nick Brignola. Tambien hubo baritonistas destacables en el campo del free jazz, como Pat Patrick o John Surman, y en el del jazz moderno, incluyendo a Hamiet Bluiett y Henry Threadgill.

La funcion principal del bajista en el jazz, como en cualquier otro estilo musical, es mantener el tiempo y delinear el marco armonico del tema, a traves, generalmente de una linea de walking bass.^[209]

De entre los primeros contrabajistas de jazz, el mas importante fue Pops Foster,^[210] facilmente identificable por su tecnica de slap, que continuo exhibiendo hasta finales de la decada de 1960. Foster fue, al lado de Steve Brown, Bill Johnson o Wellman Braud^[211] el iniciador de una tradicion que continuo con John Kirby, Walter Page, Slam Stewart y Bob Haggart: los mas grandes contrabajistas de la era del swing.^[212]

La historia del moderno contrabajo de jazz comenzo con Jimmy Blanton, el bajista de la orquesta de Duke Ellington, cuya banda de comienzos de la decada de 1940 esta considerada como la mejor de su carrera debido sobre todo a la presencia de Blanton, quien habia aportado un extraordinario grado de solidez ritmica y armonica, estableciendo el contrabajo, por primera vez en la historia, como un instrumento solista de pleno derecho. Oscar Pettiford es el segundo de los grandes contrabajistas de jazz,^[212] seguido de Ray Brown una figura con una de las discografias mas extensas del mundo.^[213] Charles Mingus, fallecido en 1979, fue una de las figuras mas importantes de la historia del jazz, no solo por su papel como pionero del instrumento, sino --y sobre todo-- por su faceta de compositor y director musical de vanguardia.^[214]

De la misma generacion de contrabajistas que ellos, destacan Chubby Jackson, Eddie Safranski, Milt Hinton, George Duvivier, Percy Heath, Tommy Potter, Curtis Counce, Leroy Vinnegar, Red Mitchell, Chuck Israels, Wilbur Ware y, especialmente, Paul Chambers. Con Ware y Chambers nos introducimos en el circulo de bajistas de hard bop, al que tambien pertenecieron Jimmy Woode, Wilbur Little, Jymie Merritt, Sam Jones, Doug Watkins o Reginald Workman.^[215]

Charlie Haden, ayudo a redefinir el lenguaje del moderno post bop,^[216] mientras que Scott Lafaro, muerto con tan solo 25 anos, se establecio como uno de los mas grandes e influyentes instrumentistas de su epoca gracias a su trabajo con Bill Evans.^[217] Otros nombres importantes de la corriente principal del jazz durante las decadas de finales del siglo XX en el contrabajo son Jimmy Garrison, David Izenzon, Richard Davis, Ron Carter, Gary Peacock, Steve Swallow, Barre Phillips, Eddie Gomez, Cecil McBee, Buster Williams, David Friesen, Glen Moore, Stafford James, Mark Johnson, Clint Houston, Dave Williams, Calvin Hill, Cameron Brown, Michael Moore, Mike Richmond, Harvie Swartz, Frank Tusa, Gene Perla, Wayne Dockery, ademas del frances Henri Texier, el hungaro Aladar Page, el aleman Gunter Lenz, el sueco Palle Danielsson, el danes Niels-Henning Orsted Pedersen, el britanico Dave Holland, el israeli Avishai Cohen, y los checos George Mraz o Miroslav Vitous, miembro fundador de Weather Report.^[218]

Entre los contrabajistas de free jazz cabe destacar a Buell Neidlinger, Peter Warren, Jack Gregg, Sirone, Henry Grimes, Alan Silva, Malachi Favors, Fred Hopkins, Mark Helias, John Lindberg, Rick Rozie, Francisco Centeno, el britanico Brian Smith, los japoneses Yoshizawa Motoharu y Katzuo Kuninaka, el austriaco Adelhard Roidinger, el noruego Arild Andersen, el italiano Marco Mellis, los holandeses Arjen Gorter y Maarten van Regteren-Altena, los alemanes Peter Kowald y Bushi Niebergall o el sudafricano Johnny Dyani.^[219]

El bajo electrico comenzo su andadura en el jazz de la mano de Monk Montgomery, hermano de Wes y bajista de la orquesta de Lionel Hampton. En 1952 el bajo electrico, era un instrumento muy novedoso y la mayoria de los contrabajistas de jazz lo despreciaban como un instrumento <> e inexpresivo. Sin embargo, en parte debido al interes que habia suscitado el instrumento en manos de Montgomery^{[nota 12]} y en parte debido a las ventajas en cuanto a transportabilidad y volumen que el bajo electrico presentaba respecto al contrabajo, el nuevo instrumento fue poco a poco ganando en popularidad, especialmente en otros ambitos como el pop, el rock and roll y el R&B^[220]

El mundo del jazz tuvo que esperar mas de 20 anos para recibir al primer instrumentista de prestigio que habia decidido adoptar el bajo electrico con todas sus consecuencias. Fue Stanley Clarke, el primer bajista electrico de importancia en la historia del jazz,^[221] pero el gran revolucionario que estaba esperando el instrumento fue Jaco Pastorius, un bajista electrico "puro"^{[nota 13]} que estaba llamado a reescribir la historia de su instrumento tal y como hizo Charlie Parker en el saxofon y cuya tragica muerte en 1987 puso fin a la meteorica carrera de uno de los pocos musicos que han sido capaces de revolucionar de arriba abajo la historia, la tecnica y la funcion de su instrumento.^[222]

Jimmy Johnson, Anthony Jackson,^[223] Steve Swallow, o Paul Jackson, surgieron a principios de la decada de 1970, pero la primera generacion de bajistas electricos post-Jaco emergio a principios de la decada de 1980, y entre ellos cabe citar a Marcus Miller, Darryl Jones, Jeff Berlin, Mark Egan, Victor Bailey, Steve Rodby, John Patitucci, Gary Willis, Victor Wooten, Michael Manring u Oteil Burbridge.^[224] Actualmente el camerunes Richard Bona destaca dentro de los bajistas de fusion que ha continuado desarrollando la linea anterior.

Desde el punto de vista de la musica clasica europea, la bateria de jazz puede parecer un simple aparato productor de ruido, pues, esa es, en cierto modo, su funcion alli: los timbales de Chaikovski, Beethoven o Wagner son ruido en el sentido que producen un efecto de fortissimo. En el jazz, el baterista no usa su instrumento como un efecto, sino que crea con el el espacio en el que la musica tiene lugar.^[225]

En los primeros tiempos del jazz no existian solos de bateria, como tampoco bateristas de marcada individualidad. De hecho, conocemos trompetistas, clarinetistas y saxofonistas de esta epoca, pero apenas tenemos noticias de bateristas notables: el trabajo de la bateria en este periodo consistia simplemente en marcar el beat, un trabajo meramente funcional, y no artistico; fue poco a poco que empezo a considerarse que la individualidad de cada baterista podria usarse como elemento de expresion, marcando la diferencia entre unas bandas y otras, y fue entonces cuando la bateria comenzo a trascender de su simple papel de metronomo para posicionarse como un instrumento de pleno derecho.^[225]

Los primeros bateristas de jazz dignos de mencion fueron Baby Dodds (que trabajo con King Oliver y con Hot Seven de Louis Armstrong) y Zutty Singleton, ambos de Nueva Orleans. Curiosamente, fueron los bateristas blancos --Tony Spargo (Original Dixieland Jazz Band) y Ben Pollack (New Orleans Rhythm Kings)-- los que iniciaron la tendencia a marcar los tiempos debiles (el dos y el cuatro), una tendencia que se iria afianzando posteriormente para convertirse en estandar.^[225]

Los tres principales bateristas del estilo de Chicago, muy diferente al estilo desarrollado por los bateristas blancos, fueron George Wettling, Dave Tough y Gene Krupa.^[225] Jo Jones libero definitivamente la bateria de su papel de simple metronomo,^[226] mientras que Chick Webb, jorobado y casi un enano, se convirtio en uno de los mas importantes y respetados bateristas y lideres de orquesta de la era del swing,^[227] dando lugar al surgimiento de "Big Sid" Catlett y Cozy Cole.^[228]

Kenny Clarke fue el creador del estilo moderno en la bateria de jazz: un musico con formacion academica completa que suele poder tocar otros instrumentos, leer musica y hasta hacer arreglos. Max Roach perfecciono el estilo de Clarke: fue el primer baterista en ejecutar lineas melodicas perceptibles en su instrumento, ampliando su campo a los ambitos de la armonia y la melodia; tambien fue el primero en demostrar que el swing podria tener lugar en compases diferentes al 4/4; el primero en formar grupos enteros de bateristas; y el primero en ser capaz de amalgamar medidas irregulares como el 5/4 y el 3/4 en sus ejecuciones.^[229]

Las contribuciones de Clarke y Roach convirtieron a la bateria en un instrumento capaz de ejecutar melodias, abandonando su funcion exclusivamente ritmica. De ese modo, el instrumento recorria el mismo camino que antes habian tomado otros elementos de la seccion ritmica como el trombon (que se emancipo melodicamente con Kid Ory y Jimmy Harrison), el piano (que hizo lo propio con Earl Hines, la guitarra (que adquirio notoriedad de la mano de Charlie Christian o del contrabajo, que se convirtio en un instrumento solista con Jimmy Blanton.^[229]

Art Blakey, fue uno de los primeros bateristas en investigar las raices africanas del jazz, siendo el primero en efectuar grabaciones con grupos enteros de percusionistas afrocubanos,^[230] mientras que Joe Morello salto a la fama en el cuarteto de Dave Brubeck por sus experimentos con las metricas inusuales,^[231] siendo sustituido por Alan Dawson, un profesor de la Berklee School of Music, la mas conocida de todas las escuelas de jazz del mundo.^[232] De Blakey y Roach procedian los principales bateristas de la era del hard bop, como Art Taylor, Louis Hayes, Dannie Richmond, Pete La Roca, Roy Haynes, Albert Heath y, aunque llego mucho mas alla de los limites de ese genero, Elvin Jones.^[233]

Entre los bateristas independientes que desarrollaron un estilo moderno del swing destacan Buddy Rich, Louie Bellson, Denzil Best, Don Lamond, Tiny Kahn, Gus Johnson, J. C. Heard, Osie Johnson, Shadow Wilson, Oliver Jackson, Grady Tate, Mel Lewis, Sonny Payne, Sam Woodyard o Rufus Jones, que parten todos de la figura de Dave Tough. En la costa occidental se desarrollo un estilo diverso al de los musicos neoyorquinos: Shelly Manne fue el prototipo de baterista melodico, mientras que Chico Hamilton, miembro fundador del cuarteto de Gerry Mulligan represento un estilo mas cool antes de pasarse al jazz fusion.^[234] Tony Williams alcanzo notoriedad primero con Jackie McLean, y despues con Miles Davis.^[235] Billy Higgins, Ed Blackwell y Charles Moffett fueron tres importantes bateristas que surgen de la banda de free jazz de Ornette Coleman, primeros exponentes de un estilo del que Sunny Murray seria el maximo representante y que cuenta tambien con nombres como Milford Graves, Beaver Harris, Barry Altschul, Raschied Ali o Andrew Cyrille.^[236]

La llegada del jazz fusion a principios de la decada de 1970 devolvio en cierta forma la bateria a sus comienzos: el enfasis en el bombo y la necesidad de marcar el primer tiempo del compas con claridad fueron aspectos a retomar por una nueva generacion de bateristas entre los que destacaron el ya mencionado Tony Williams, ademas de Alphounse Mouzon, Billy Cobham, Steve Gadd, Peter Erskine, Harvey Mason, Lenny White, Jack DeJohnette, Gerry Brown, Steve Jordan, Leon "Ndugu" Chancler, Eric Gravatt, John Guerin, Dan Gottlieb, David Moss y Terry Bozzio.^[237] En el ambito del jazz fusion y el jazz rock europeos destacaron Jon Hiseman, Robert Wyatt, John Marshall, Bill Bruford, Simone Phillips, Phil Collins o Ginger Baker, de Cream. En el escenario free hay que senalar a los norteamericanos Phillip Wilson, Don Moye, Steve McCall, Pheeroan akLaff, Thurman Barker, Bobby Battle, Warren Smith, Stanley Crouch y Ronald Shannon Jackson; a los suizos Pierre Favre, Peter Giger y Reto Weber; al holandes Han Bennink; al finlandes Edward Vesala; al ingles Tony Oxley; a los alemanes Paul Lovens, Detlef Schonenberg y Gunter Sommer; y los japoneses Masahijo Togashi, Shota Koyama y Takeo Moriyama^[238]

Entre los bateristas mas importantes de la corriente principal contemporanea que surgieron desde finales de la decada de 1960 en adelante podemos citar a Billy Hart, Stu Martin, Narada Michael Walden, Victor Lewis, Eddie Gladden, Ben Riley, Clifford Jarvis, Al Foster, Peter Donald, Adam Nussbaum, Peter Apfelbaum, Don Alias, Eddie Moore, Alvin Queen, Woody Theus, Ronald Steen, Freddie Waits, Horacee Arnold, Wilbur Campbell, Ed Soph, Mickey Rocker, Leroy Williams, Bruce Ditmas, Frank Butler, Jake Hanna, Jeff Hamilton, Paul Motian, Joe LaBarbera, Elliot Zigmund, Michael Di Pasqua, el noruego Jon Christensen, el sudafricano Makaya Ntshoko o el polaco Janusz Stefanski.^[239]

Por ultimo, entre los jovenes bateristas de jazz y otros generos relacionados que surgieron desde finales de la decada de 1980 hay que senalar a Brian Blade,^[240] Terry Lyne Carrington,^[241] Jeff "Tain" Watts,^[242] Omar Hakim,^[243] Simon Phillips,^[244] Dave Weckl,^[245] Dennis Chambers.^[246]

La historia de la guitarra en el jazz arranca a finales de la decada de 1930 con Charlie Christian que, en tan solo dos anos, revoluciono por completo la interpretacion del instrumento. Sin embargo, la guitarra, junto con el banjo, tiene en el jazz una tradicion mucho mas larga que la mayoria de los demas instrumentos. Mucho antes de Christian, ya era un instrumento ritmico y de acompanamiento armonico, usado por los cantantes de blues y de work songs, la musica de los esclavos en los campos de trabajo. Fue con Johnny St. Cyr y Lonnie Johnson que dio comienzo la historia de la guitarra de jazz propiamente dicha, marcando asi el inicio de dos tradiciones de interpretacion que perduran hasta hoy dia: la interpretacion ritmica y de acompanamiento armonico y la solista, de lineas y fraseos monofonicos. Bud Scott, Danny Barker o Everett Barksdale fueron tempranos representantes del estilo ritmico, seguidos de Freddie Green antecesor de musicos del ambito del jazz rock, del soul y del funk, como Cornell Dupree. Teddy Bunn y Al Casey fueron otros guitarristas de Nueva Orleans, que intentaron unificar las tradiciones iniciadas por St. Cyr y por Johnson. En esta linea, y dentro del estilo Chicago, destacaron sobre todo Eddie Lang y Eddie Condon.^[247]

Mas tarde Django Reinhardt, el primer gran guitarrista europeo, ejercio una notable influencia en el propio Charlie Christian, y en otros guitarristas posteriores, como Les Paul, Earl Klugh, Larry Coryell, Christian Escoude, Bolou Ferre o Bireli Lagrene. Sus cualidades como compositor, entre otros muchos factores, lo situan como una de las figuras mas importantes de la historia del jazz.^{[248] [249]} Varias decadas despues, el brasileno Laurindo Almeida aplico primero la tradicion guitarristica espanola al jazz, y despues, en su propia obra, en la que incorporaba asimismo elementos estilisticos de la musica de su pais de origen. Otros guitarristas que siguieron la estela de Almeida fueron los brasilenos Baden Powell, Bola Sete, Egberto Gismonti, o el norteamericano Charlie Byrd.^[250]

El primer musico en usar la guitarra electrica de jazz no fue Charlie Christian, sino Eddie Durham.^{[nota 14]} Sin embargo, Durham no supo aprovechar las posibilidades que le ofrecia el nuevo instrumento, que tuvo que esperar a la llegada de Charlie Christian --un solista de la talla de Lester Young o de Charlie Parker-- para comenzar a emanciparse. El estilo de Christian fue denominado reed style, pues usaba la guitarra como si fuese un saxofon, con fraseos caracteristicos de los instrumentos de lengueta; armonicamente, Christian fue el primero en desarrollar sus improvisaciones no sobre los acordes de los temas, sino sobre los acordes de transicion que introducia entre los acordes basicos; en el campo melodico, Christian sustituyo el caracteristico staccato que usaban casi todos los guitarristas antes que el por el legato, ligando las notas de sus frases a la manera de un saxofonista.^{[251] [nota 15]} Todos los guitarristas que surgieron tras Charlie Christian proceden de el. Entre los integrantes de la primera generacion de guitarristas post-Christian se situan Tiny Grimes, Oscar Moore, Irving Ashby, Les Paul, Bill DeArango, Chuck Wayne y, sobre todo, Barney Kessel, el guitarrista ritmico mas importante de la decada de 1950, junto a Jimmy Raney (mas interesante desde el punto de vista armonico) y Johnny Smith, con un sonido mas elaborado.^[252]

Tal Farlow recogio la influencia de Jimmy Raney en un estilo de frases largas que sintetizaba las caracteristicas basicas del moderno clasicismo; Jim Hall, famoso por sus colaboraciones con Oscar Peterson, se convirtio para Berendt en el <jazz intemporal por excelencia>> desde principios de la decada de 1970; Kenny Burrell es considerado el guitarrista mas destacado del hard bop, pero en su carrera ha recorrido terrenos estilisticos muy diversos;^[253] Herb Ellis es un gran guitarrista de bop con influencias country en su toque;^[254] Les Spann, tambien flautista, fue popular durante la decada de 1950;^[255] Wes Montgomery poseia una caracteristica tecnica de octavas que resulto enormemente influyente y que le proporciono un exito comercial que le acompanaria durante toda su corta vida.^[256] Gabor Szabo poseia un sonido propio y singular, con reminiscencias de su Hungria natal;^[257] Grant Green fue un excepcional interprete de blues que dominaba a la perfeccion el lenguaje bebop con un estilo que primaba la expresividad sobre la mera capacidad tecnica;^[258] Larry Coryell, con su eclectica mezcla de rock, country, blues y bop y su caracteristico sonido afilado, fue uno de los pioneros del jazz rock en la guitarra.^[259] George Benson es uno de los mas grandes guitarristas de jazz de todos los tiempos, pero tambien un musico cuya enorme versatilidad lo han alejado en ocasiones del estilo.^[260]

A la entrada de la decada de 1970 la guitarra conocio una explosion de popularidad que debia, sobre todo, a Wes Montgomery en el jazz, a B.B. King en el blues y a Jimi Hendrix en el rock. Siguieron a King T-Bone Walker, Muddy Waters, Jimmy Dawkins, Buddy Guy, Otis Rush, Mike Bloomfield y, en la linea mas cercana al rock, Albert King, Albert Collins y Johnny "Guitar" Watson.^{[261] [nota 16]} Entre los guitarristas de rock directamente enraizados en la tradicion de Hendrix y en el blues se encuentran Eric Clapton, Duane Allman, Carlos Santana, Jeff Beck, Nils Lofgren y Frank Zappa.^[262]

Entre los guitarristas que han actualizado el lenguaje cool sobresalen el hungaro Attila Zoller, el canadiense Ed Bickert, los estadounidenses Howard Roberts, Michael Santiago, Doug Raney o Jack Wilkins. Entre los guitarristas de jazz rock y jazz fusion hay que mencionar a John McLaughlin, Joe Beck, Larry Coryell, Steve Khan, Eric Gale, Earl Klugh, Al DiMeola, Pat Metheny, Lee Ritenour, Vic Juris, Baird Hersey, Larry Carlton, Jan Schafer, el holandes Jan Akkerman, el britanico Allan Holdsworth, el finlandes Jukka Tolonen, el noruego Terje Rypdal, o los alemanes Volker Kriegel, Toto Blanke o Michael Sagmeister. Entre los guitarristas que han fusionado el jazz con la musica tradicional de distintos paises, se encuentran Alex de Grassi, William Ackerman, Leo Kottke, Ry Cooder, John Fahey y Robbie Basho. Entre los guitarristas free cabe destacar a Sonny Sharrock, Michael Gregory Jackson, James Emery, Spencer Barefield, James Blood Ulmer o el britanico Derek Bailey. Entre los guitarristas que continuaron la tradicion del swing estan George Barnes, Bucky Pizzarelli, Cal Collins y --sobre todo-- Joe Pass. Por ultimo, entre los guitarristas de la corriente mainstream contemporanea se encuentran John Scofield, John Abercrombie, Roland Prince, Chuck Loeb, Ted Dumbar, Rodney Jones, Ed Cherry, Joe Diorio, Monette Sudler, o Ron Eschete, ademas del inclasificable Ralph Towner, del grupo Oregon.^[263]

El organo de tubos, un instrumento que procedia de la tradicion eclesiastica europea, aparecio por primera vez en el jazz de la mano de Fats Waller, un musico que lego su interes por el instrumento a su alumno mas famoso, Count Basie, quien ya usaba la version electrica del instrumento. Todavia en 1975 Clare Fischer efectuo algunas grabaciones con el organo de tubos, al igual que habian hecho Keith Jarret o el belga Fred Van Hove, pero en general, en el mundo del jazz el termino <> se ha usado en la practica como sinonimo del organo Hammond. De Fats Waller y Count Basie proceden Wild Bill Davis y Milt Buckner, mientras que de la tradicion del rhythm & blues, mas ligada al desarrollo del soul jazz provienen Brother Jack McDuff, Johnny Hammond, Don Patterson, Lou Bennet, Richard "Groove" Holmes, Lonnie Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Shirley Scott o incluso Ray Charles. Desde el mundo del rock, musicos como Steve Winwood, Al Kooper, Billy Preston y Booker T. Jones recogieron la tradicion del organo de R&B, una tradicion que se habia iniciado en las iglesias cuando el organo Hammond apenas habia iniciado sus primeros pasos en el mundo del jazz.^[264]

La primera gran revolucion en la historia del instrumento fue protagonizada por Jimmy Smith, quien habia llegado a la escena del jazz en 1956, para dar paso, nueve anos mas tarde a Khalid Yasin (tambien conocido como Larry Young), un musico en la tradicion de John Coltrane que a pesar de no haber obtenido jamas exito a nivel comercial, se encuentra entre los interpretes mas influyentes en la historia del instrumento. En Europa destaco el frances Eddy Louiss, de origenes caribenos, mientras que durante la decada de 1970 aparecieron en la escena nuevos valores como Carla Bley, Amina Claudine Myers, Chucho Valdes y Chico O'Farrill, pero en general se puede decir que tras Khalid Yasin se produjo un estancamiento en la evolucion del instrumento.^[265]

A partir de la decada de 1970 comenzaron a surgir una serie de musicos que adoptaban toda una serie de instrumentos relacionados de entre los que el organo era tan solo uno mas: Joe Zawinul fue uno de los primeros teclistas de jazz en sentido amplio, y uno de los mas importantes, y entre los instrumentos que usaba se encontraban el piano, el clavinet, el piano electrico, el organo electrico, asi como una amplia gama de sintetizadores y efectos de sonido. Otros teclistas destacables, casi todos procedentes del mundo del jazz fusion, fueron Herbie Hancock, George Duke, Jan Hammer, Chick Corea, Stu Goldberg, Kenny Kirkland, Patrice Rushen, Bob James, Richard Tee, Jeff Lorber, Barry Miles, Mike Mandel (del grupo The Eleventh House), Lyle Mays, Dave Grusin, el bulgaro Milcho Leviev, Ian Underwood (multiinstrumentista que participo en muchos trabajos de Frank Zappa), Joe Sample, Mark Soskin y David Sancious, asi como el holandes Jasper van 't Hof, el danes Kenneth Knudsen, los britanicos Geoff Castle, Gordon Beck y John Taylor, y los alemanes Wolfgang Dauner y Joachim Kuhn, entre otros muchos.^[266]

El sintetizador, desarrollado por Robert Moog, se habia hecho popular repentinamente en 1968 gracias a la obra de Walter Carlos Switched-On Bach, album que precedio a la exitosa banda sonora de la pelicula La naranja mecanica, tambien de Carlos, y que despues tendria una secuela: Switched-On Bach II (1973). Los primeros artistas en experimentar con el sintetizador (John Cage, Terry Riley...) no procedian del mundo del jazz, sino de otros ambitos, y de hecho, el jazz tuvo que esperar la llegada de artistas como Paul Bley, Sun Ra, Richard Teitelbaum, George Lewis, Joe Gallivan, Pete Levin o el aleman Wolfgang Dauner para que el nuevo instrumento comenzase a hacerse un hueco en las preferencias del publico y de los musicos.^[267]

Hasta principios de la decada de 1960 los instrumentos de percusion habian sido utilizados marginalmente por los bateristas, pero a partir de esa fecha la gama de instrumentos de percusion que fue introduciendose en los estudios de grabacion comenzo a ampliarse tanto que dio lugar a un nuevo tipo de musico --el percusionista-- especializado en este tipo de instrumentos. La mayoria de los instrumentos de percusion utilizados en el jazz procedia originalmente de America Latina (claves, guiro, cabasa, maracas, congas, bongos, timbales, pandeiro, etc.), pero progresivamente comenzaron a hacer aparicion distintos instrumentos procedentes de la India, del Tibet, de China, de Japon, de Bali o de Africa.^[268]

El padre de la percusion en el jazz fue el cubano Chano Pozo, quien ya en 1947 habia introducido instrumentos de percusion afrocubana en las grabaciones de la orquesta de Dizzy Gillespie, jugando con ello un papel importante en el establecimiento del asi llamado cubop, un estilo mezcla de bop con elementos percusivos afrocubanos que cuenta entre sus temas mas famosos con titulos emblematicos como <> o <>.^[269]

Entre los primeros percusionistas cubanos que surgieron tras la estela de Pozo destacaron Jack Costanzo, Carlos Vidal o Machito, tres musicos que tocaron en la big band de Stan Kenton; Tito Puente, que comenzo a desarrollar su carrera en la costa occidental; los congueros Armando Peraza, Mongo Santamaria, Ray Barreto, Candido y Sabu Martinez; el timbalero Willie Bobo; o los bongueros Willie Rodriguez y Cal Tjader, este ultimo tambien vibrafonista. A principios de la decada de 1970 surgio la salsa, un "nuevo" genero que fusionaba la musica tradicional de Cuba con elementos del blues y del rock y que estaba encabezado tanto por artistas cubanos como por otros procedentes de Puerto Rico y, en menor medida, de la Republica Dominicana. El epicentro de la nueva musica se situo en Nueva York y Miami, dos ciudades con un importante nucleo de poblacion de origen cubano, y de entre las distintas orquestas y agrupaciones que alli surgieron cabe destacar la Fania All Stars, un supergrupo liderado por Johnny Pacheco con el que colaboraron figuras tan importantes como Ray Barreto, Mongo Santamaria o el trombonista y director musical Willie Colon. Por ultimo, entre las fusiones a las que dio lugar la "salsa", un termino generico que agrupa en realidad estilos muy diversos, cabe destacar el rock latino, popularizado por el mexicano Carlos Santana, o el boogaloo, una mezcla de mambo, rock'n'roll, jazz y blues.^[269]

Los ritmos tradicionales de Brasil son para Berendt mas suaves, mas elasticos y menos agresivos que los cubanos, y su confluencia con el jazz dio lugar a la bossa nova, una musica popularizada por Stan Getz y Charlie Byrd que fue definida por los musicos brasilenos como <<cool jazz mas samba>>. A pesar de los exitos que la nueva musica estaba cosechando en Brasil, la penetracion de los ritmos brasilenos en los escenarios estadounidenses tuvo que esperar hasta finales de la decada de 1960, cuando Airto Moreira participo en la grabacion del Bitches Brew, de Miles Davis. Desde entonces, muchos grupos y musicos establecidos emplearon percusionistas brasilenos, como fue el caso de Chick Corea, Weather Report o Dizzy Gillespie, quienes contaron con la colaboracion de musicos como Dom Um Romao, Paulinho Da Costa, Guilherme Franco y Nana Vasconcelos, ademas del propio Airto.^[270]

Art Blakey ya habia iniciado la exploracion de los ritmos africanos en su Orgy in Rhythm (1957), un disco que tuvo su continuacion en The African Beat, con la participacion de diversos musicos a cargo de la ejecucion de instrumentos africanos. Max Roach formo grupos similares, pero el primer percusionista de renombre en el mundo del jazz fue en realidad el nigeriano Olatunji, que colaboro con John Coltrane, Clark Terry o Yusef Lateef. Ya en la decada de 1970 artistas como Kahil El Zahbar, Don Moye, James Mtume, Ralph McDonald o los bateristas haitianos Ti-Roro y Ti-Marcel fueron haciendo su aparicion en la escena, formalizando una tendencia que habia iniciado Blakey mas de una decada atras. Entre los percusionistas procedentes del continente asiatico hay que senalar a los hindues Zakir Hussain, Trilok Gurtu y Badal Roy, o el turco Okay Temiz. Por ultimo, entre los percusionistas modernos que son capaces de tocar una gran cantidad de instrumentos distintos procedentes de distintas culturas se encuentran Kenneth Nash, Sue Evans, Armen Halburian, Bill Summers y David Moss.^[271]

Durante la decada de 1950 la flauta ocupo el lugar --junto con el saxo soprano-- del clarinete, un instrumento que se asociaba a la era del swing, una musica que ya habia pasado de moda. La tradicion jazzistica del instrumento es relativamente corta: uno de los primeros solos de flauta registrados en un disco de jazz fue el que Wayman Carver ejecuto en Sweet Sue, una grabacion de la orquesta de Spike Hughes que se remonta a 1933. Chick Webb uso tambien la flauta en su orquesta, pero el instrumento no dejaba de ser una curiosidad hasta que a principios de la decada de 1950 aparecieron una serie de musicos que consiguieron establecerlo como un instrumento comunmente aceptado en formaciones y orquestas de jazz. Jerome Richardson fue el primero en grabar solos modernos, y tras el surgieron Frank Wess y Bud Shank. El primero es responsable directo de la aceptacion del instrumento, que solo se logro tras la revolucion del saxofon que habia llevado a cabo durante la decada anterior Lester Young. Wess, como flautista, parte de Young, y algunos de sus mejores solos se encuentran en el album Opus de Jazz, con Milt Jackson, Hank Jones, Eddie Jones y Kenny Clarke.^[272] En cuanto a Bud Shank, surgido de la orquesta de Stan Kenton, fue el flautista mas importante de la Costa Oeste, aunque hacia el final de su carrera abandono el instrumento en favor del saxo alto.^[273]

Yusef Lateef fue uno de los poquisimos musicos de jazz en adoptar el oboe, pero tambien uso la flauta para ejecutar una musica pionera en el uso de armonias y texturas orientales.^[274] Herbie Mann se situo como el mas relevante de los flautistas de jazz en el periodo que va aproximadamente desde 1959 hasta 1967, cuando el musico efectuo sus grabaciones mas interesantes antes de embarcarse en proyectos mas comerciales.^[275] Hubert Laws destaco en las corrientes de encuentro con la musica clasica (third stream), asi como en el jazz fusion,^[276] mientras que Paul Horn fue un excelente flautista de jazz que se paso, desde 1967 en adelante, al ambito de la musica new age.^[277]

Otros flautistas destacados fueron Sahib Shihab, James Moody, Leo Wright, George Marge, Romeo Penque, Sam Most, Buddy Collette, Rahsaan Roland Kirk, Charles Lloyd, Joe Farrell, James Spaulding, Eric Dixon y Sam Rivers, muchos de ellos saxofonistas que usaban la flauta como segundo instrumento.^[278] Eric Dolphy, por su parte, ocupa un lugar especial en la historia de la flauta de jazz, adelantando en su trabajo pionero conceptos que serian seguidos por multitud de flautistas posteriores, como Simeon Shterev, Jiri Stivin, Emil Mangelsdorff, Bob Downes y Chris Hinze^[279]

Entre los primeros flautistas de jazz que cultivaron la tecnica del <<sobresoplido>> (overblowing), que basicamente consiste en soplar y cantar o susurrar al mismo tiempo, estuvieron Sam Most y Sahib Shihab, aunque la tecnica fue adoptada por practicamente todos los flautistas posteriores, desde Rahsaan Roland Kirk hasta Jeremy Steig. Flautistas destacados del ambito del jazz rock y jazz fusion fueron Chris Wood, Tom Scott, Gerry Niewood, Bobby Humphrey y Barbara Thompson (conocida por su trabajo con el grupo Colosseum), mientras que otros como Don Cherry o Hermeto Pascoal destacaron por el uso de flautas de otros tipos, procedentes de distintas partes del mundo. En el ambito del free jazz, donde hay que senalar de nuevo la fuerte influencia de Eric Dolphy, sobresalieron Douglas Ewart, Henry Threadgill, Oliver Lake, Prince Lasha, Roland Snyders y --particularmente-- James Newton. Dentro de la corriente principal del jazz moderno se situan George Adams, Steve Slagle, Joe Ford, Dwight Andrews, Jerry Dodgion y Lew Tabackin; y del Japon hay que senalar a Hozan Yamamoto, quien ha tocado la flauta de bambu llamada shakuhachi en el campo del jazz junto a la cantante Helen Merrill o el percusionista Masahiko Togashi.^[280] Otro musico que emplea esa flauta japonesa de bambu, de cuya construccion ha aprendido el arte, es John Kaizan Neptune, orientado al jazz fusion, la new age y la llamada musica mundial.^[281]

El vibrafono, un instrumento de percusion con posibilidades melodicas, resulta en teoria un instrumento ideal para el jazz, pero a pesar de ello solo se ha impuesto lentamente en las formaciones y combos pues no permite la ejecucion de un sonido jazzistico, al no poderse modular su timbre mas que mediante el vibrato aplicado por conexion electrica o por golpes de distinta intensidad. Lionel Hampton y Milt Jackson son considerados los vibrafonistas de jazz mas importantes, el primero en el ambito mas tradicional y el segundo en el jazz moderno. Hampton --junto a Red Norvo-- introdujo el instrumento en el jazz al comienzo de la era del swing, mientras que Jackson lo popularizo al frente de los famosos Modern Jazz Quartet.^[282]

Charlie Shoemake, un vibrafonista de la escuela del bop asociado a la figura de George Shearing no obtuvo el reconocimiento que merecia,^[283] y, con otros como Terry Gibbs, Teddy Charles, Cal Tjader y Victor Feldman, formo parte de la primera generacion de vibrafonistas importantes, junto a otros mas jovenes como Eddie Costa, Tommy Vig, Lem Winchester, Larry Bunker y Mike Mainieri. Gary Burton, Walt Dickerson, Tom Van Der Geld y Bobby Hutcherson recogieron el testigo de Milt Jackson, y ampliarian enormemente las posibilidades del instrumento. Burton combina un tierno lirismo con un gran virtuosismo, sintetizando influencias tan diversas como la de Bill Evans, la musica country o el hillbilly. Dickerson ha trasladado las ideas de John Coltrane al vibrafono, mientras que Hutcherson combina la tradicion del bebop y de Milt Jackson con la influencia de Coltrane, inaugurando una nueva etapa en lo que se refiere al sonido de su instrumento. David Friedman ha colaborado con el tambien vibrafonista Dave Samuels en distintos proyectos, en los que han multiplicado las posibilidades del vibrafono.^[284]

Entre los vibrafonistas que han destacado en el mundo del jazz rock y la jazz fusion se encuentran Roy Ayers, Dave Pike, Mike Mainieri, Jay Hoggard y Ruth Underwood (conocida sobre todo por su trabajo con Frank Zappa), ademas de los alemanes establecidos en Estados Unidos Gunter Hampel y Karl Berger. Bobby Naughton, Earl Griffith y Jay Hoggard estan a la cabeza de la vanguardia del free jazz en su instrumento, al tiempo que dominan toda su tradicion.^[285] Joe Locke, por ultimo, se inspira en las ensenanzas de Milt Jackson y en las de Bobby Hutcherson para establecerse como uno de los mejores vibrafonistas del siglo XXI.^[286]

Al igual que habia ocurrido con la flauta unos anos antes, el violin conocio en la decada de 1960 un periodo de esplendor que resultaba un tanto paradojico si se tiene en cuenta el papel que habia desempenado el instrumento en la historia del jazz. En las primeras bandas de Nueva Orleans era relativamente usual, y algunas de las figuras mas importantes de la epoca fueron violinistas (John Robechaux, Will Marion Cook, Johnny Schenk...). Sin embargo, el instrumento no contaba con un timbre tan poderoso como el de los instrumentos de viento, por lo que su papel quedo relegado al de aquellos. Se mantuvo en un segundo plano porque era un instrumento de gran tradicion en las orquestas, pero con la llegada de Joe Venuti, el primer gran violinista de importancia, empezaron a cambiar las cosas.^[287] Sus duetos con Eddie Lang de la segunda mitad de la decada de 1920 resultaron muy influyentes; pero, tras la muerte de Lang a mediados de la decada siguiente, Venuti fue abandonando progresivamente los escenarios para regresar triunfalmente muchos anos mas tarde, a finales de la decada de 1960.^[288] En los anos 1930, el violin se mantuvo con un papel central en el estilo de fusion que se conocio como Western swing, asi como en el denominado jazz manouche.

Enmarcado en sus comienzos, precisamente, en este estilo, el frances Stephane Grappelli, fue uno de los mas grandes violinistas de jazz de todos los tiempos, uno de los primeros (con Venuti, Lang y Stuff Smith) y uno de los mayores responsables de la aceptacion definitiva del instrumento en el mundo del jazz. Sus duetos con Django Reinhardt en el Quintette du Hot Club de France, desde 1933 hasta 1939, lo establecieron como una de las mayores figuras del violin, puesto que Grappelli fue capaz de mantener hasta su muerte, que tuvo lugar cuando contaba con 89 anos.^[289] Por su parte, Eddie South, que grabaria con Grapelli en 1937, fue un brillante violinista, un nino prodigio que no llego a alcanzar la fama de Venuti y que de no ser por el racismo imperante en su epoca hubiera sido un excelente interprete clasico.^[290]

Stuff Smith fue una de las mayores figuras del violin de la era pre-bop. Era un artista que citaba a Louis Armstrong entre sus mayores influencias y de quien sus seguidores decian que superaba en talento a todos sus competidores.^[291] El multiinstrumentista Ray Nance fue uno de los mejores violinistas de la decada de 1940, ademas de un excelente cantante y bailarin.^[292]

Jean-Luc Ponty, nacido en 1942, se convirtio en uno de los pioneros del violin electrico en el ambito del jazz rock de la decada de 1970.^[293] Don "Sugarcane" Harris, violinista que desaparecio pronto de la escena, encabeza junto con Ponty la lista de violinistas modernos, integrada tambien por una serie de musicos que en muchos casos surgieron paralelamente a ellos, como son Mike White, Jerry Goodman, Steve Kindler, John Blake, los polacos Zbigniew Seifert y Michal Urbaniak, el frances Didier Lockwood, los hermanos hindues L. Subramaniam y L. Shankar, ademas de Leroy Jenkins, Alan Silva, Billy Bang y Ramsey Ameen en el ambito del free jazz.^[294]

El violin mantiene un importante legado entre los musicos de jazz de Europa, continente donde han surgido la mayoria de sus mas ilustres representantes y al que se han trasladado algunas de las mas grandes figuras estadounidenses, como Eddie South, Stuff Smith y Alan Silva; pero tambien mantiene su vigencia en los Estados Unidos, que continuan dando figuras jovenes tan importantes como Regina Carter, una de las interpretes mas versatiles y sofisticadas de la escena contemporanea.^[295]

Hasta aproximadamente 1950, la lista de instrumentos comunmente aceptados en las formaciones y combos de jazz era pequena, y se derivaba de los instrumentos que utilizaban los musicos de la era de Nueva Orleans: dos instrumentos de la familia del metal (trompeta y trombon), el grupo de lengueta (saxofon y clarinete) y la seccion ritmica, formada por la bateria, el piano, el contrabajo y la guitarra. Con el transcurso de la historia, se fueron adaptando distintos instrumentos a estas formaciones clasicas hasta el periodo de la electrificacion del jazz a principios de la decada de 1970, un factor que resulto clave en el desarrollo posterior de la historia del jazz, en cuya historia siempre habia tenido un papel determinante el descubrimiento de nuevos timbres y texturas.^[296]

El violonchelo, por ejemplo, fue introducido en el jazz por el contrabajista Oscar Pettiford; el clarinete bajo, por Eric Dolphy; el oboe y el fagot, por Yusef Lateef; Roland Rasaan Kirk obtuvo notoriedad al tocar dos saxofones primitivos simultaneamente. El arpa gano exposicion gracias a la obra de Alice Coltrane, pero antes que ella, Corky Hale y Dorothy Ashby habian intentado tocar jazz con el instrumento en la decada de 1950, asi como Casper Reardon en 1934.^{[nota 17]} La tuba, precursora del contrabajo en las orquestas de Nueva Orleans, desaparecio posteriormente, pero ha sido reincorporada a la historia del jazz gracias a la obra de musicos como Howard Johnson, Don Butterfield, Bob Stewart, Joe Daley, Earl McIntyre y Dave Bargeron.^[297]

Un instrumento que aparecio ocasionalmente en la epoca del swing fue el acordeon (Ernie Felice toco con Benny Goodman), que dio al menos un nombre de relieve: Art Van Damme, quien desarrollo un fraseo muy cercano al de un saxo baritono. Dentro del estilo de la Costa Oeste, encontramos otro nombre importante: Pete Jolly. En las ultimas decadas del siglo XX, varios musicos de jazz contemporaneo, como el belga Fred Van Hove y los franceses Michel Portal y Richard Galliano, han usado de forma prevalente este instrumento o su variante: el bandoneon, con el que ya habia realizado experiencias de fusion Astor Piazzolla (junto a Gerry Mulligan).

La armonica en el jazz se inicio con la obra de artistas de blues que tocaban la armonica diatonica, como Sonny Boy Williamson I, Sonny Boy Williamson II, Sonny Terry, Junior Wells, Shakey Jake Harris, Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Carey Bell y Whispering Smith, pero tendria uno de sus mayores exponentes en el belga Toots Thielemans, que toca el instrumento cromatico y lo hace con la misma agilidad y con la misma riqueza de ideas que los grandes saxofonistas. En el blues rock, destacaron musicos blancos como Paul Butterfield y John Mayall. Magic Dick ha aportado solos de gran calidad en el ambito del rock, y Stevie Wonder ha combinado la finura de Toots Thielemans con la influencia del blues, tal y como ha hecho Mauricio Einhorn con la musica de su Brasil natal.^[298]

Julius Watkins fue pionero en el uso de la trompa en el jazz con sus grabaciones de la decada de 1950, aunque seria John Graas quien mas la adaptara al jazz; mientras que Yusef Lateef, conocido multiinstrumentista, fue uno de los primeros musicos de jazz en utilizar el oboe y el fagot, ademas de toda una serie de instrumentos exoticos como el arghul, una especie de oboe egipcio. Bob Cooper toco el oboe y el corno ingles en algunas grabaciones, al igual que Paul McCandless (del grupo Oregon) y Frank Tiberi. El multiinstrumentista neerlandes Han Bennik ha tocado en el campo del jazz el dung-dkar, una caracola gigante ornamentada que se emplea en el Tibet.

Tom Scott, Michal Urbaniak, Sonny Rollins, Wayne Shorter y Michael Brecker han usado ocasionalmente el EWI (electronic wind instrument), un sintetizador de Akai cuyo controlador es un instrumento de viento similar al saxofon en la boquilla y en el empleo de los dedos para producir las notas.^[299] Instrumento similar y anterior al EWI es el liricon (lyricon), del que se dice que el primer musico en emplearlo profesionalmente fue Chuck Greenberg, director de la banda Shadowfax.^[300] Tambien lo ha tocado Michal Urbaniak y, entre otros, Tom Scott, al que puede oirsele haciendolo, por ejemplo, en el disco de L. Subramaniam Spanish Wave, de 1983.^[301]

Respecto a los instrumentos de cuerda, la mandolina fue introducida en el jazz por musicos cercanos al country como Tiny Moore y Kenneth C. Burns (conocido como Jethro Burns), pero fue posteriormente utilizada por John Abercrombie y, especialmente, por David Grisman. El violonchelo fue introducido por los contrabajistas Harry Babasin y Oscar Pettiford, pero tiene entre sus mejores interpretes a Abdul Wadud y a David Darling, ademas de David Eyges, Irene Aebi, Tristan Honsinger y el frances Jean-Charles Capon. El stick, instrumento hibrido de 10 cuerdas o mas, ha sido empleado por Emmett Chapman y por Tony Levin. Don Cherry ha usado instrumentos procedentes de Laponia, Africa, el Tibet, la India y China. Collin Walcott y Bill Plummer han usado el sitar en discos de jazz. Charlie Mariano tocaba el nagaswaram, instrumento indio similar al oboe; puede oirse, por ejemplo, en la pieza <> (<Parvati>>), de su disco Helen 12 Trees, de 1976.^[302] Stephan Micus aprendio a tocar multitud de instrumentos exoticos como citaras de Baviera, flautas de bambu de Japon, el rebab de Afganistan, la gaita escocesa y aun otros de Bali, de la India y del Tibet.^[303] Por ultimo, el trombonista Steve Turre ha destacado por el frecuente uso que ha hecho de las conchas de mar en sus grabaciones.^[304]

El jazz nacio directamente de la musica vocal, y asi no es de extranar que muchos musicos traten de imitar la voz humana con sus instrumentos, un fenomeno que es particularmente evidente en los sonidos growl de trompetistas y trombonistas. Por otra parte, la influencia de los instrumentistas sobre los cantantes de jazz es indudable, hasta el punto que sus normas determinan los estandares de estos ultimos, quienes suelen tratar su voz como si fuese un instrumento. Desde este punto de vista los canones de la musica clasica europea (esto es, la pureza de la voz, su volumen y su registro) son del todo irrelevantes para los vocalistas de jazz, quienes en muchos casos tienen voces feas y registros muy limitados desde la perspectiva de los canones clasicos.^[305]

La tradicion vocal en el jazz se inicio con los cantantes de blues, un estilo en el que destaca Ray Charles, entre otros, pero que tuvo entre sus mas remotos representantes conocidos a "Blind" Lemon Jefferson y Huddie Ledbetter, un presidiario de Luisiana mas conocido como "Leadbelly". Robert Johnson, Big Bill Broonzy y Son House destacaron en Chicago --la capital mundial del blues-- a pesar de sus origenes surenos, al igual que Muddy Waters, Little Brother Montgomery, St. Louis Jimmy Oden, Sunnyland Slim, Sonny Boy Williamson, Little Walter, Memphis Slim, Howlin' Wolf, Lightnin' Hopkins o John Lee Hooker, casi todos destacados guitarristas. J. E. Berendt distingue dos corrientes principales entre los cantantes de blues, la <Mississippi>>, mas aspera y sucia, y la <Texas>>, que dio lugar a fusiones mas sofisticadas, como el jazz blues y el swing blues. A partir de la decada de 1970 surgieron figuras como Junior Wells, Buddy Guy, Albert King, Albert Collins, Otis Rush y Taj Mahal, estos dos ultimos con una gran aceptacion en el mundo del rock. Por ultimo, hay que senalar el deseo de B.B. King --uno de los mas destacados artistas del genero-- de lograr que los negros:^[306]

Dejen de avergonzarse del blues, su musica mas original.

Entre los primeros cantantes de blues que comenzaron a inclinarse por los sonidos del jazz cabe destacar a Jimmy Rushing, el primero que comenzo a cantar desplazando el acento ritmico para crear asi las tensiones propias del jazz. Rushing fue seguido por Jimmy Witherspoon, por Big Miller y por Joe Williams, de la orquesta de Count Basie. Big Joe Turner, destaco en el boogie-woogie, como Champion Jack Dupree y Fats Domino. Leon Thomas se encontraba un paso mas alla, combinando las raices del blues con el jazz de vanguardia y la musica folclorica africana.^[307]

Louis Armstrong represento una linea diferente a la de los musicos del blues, ejemplificando la influencia que los instrumentistas estaban ejerciendo sobre los vocalistas de jazz. En esta linea se situaron tambien Hots Lips Page, Jack Teagarden, Grady Tate, Richard Boone, George Benson, George Adams, Chet Baker o Clark Terry, mientras que Bing Crosby, Frankie Laine, Perry Como, Matt Dennis o Mel Torme se mantienen en una tradicion mas alejada de la influencia de los instrumentistas y a la vez mas comercial. Nat King Cole fue un gran cantante y pianista de jazz antes de dirigir su carrera a sectores mas comerciales, y su influencia se ha dejado sentir en figuras tan importantes como Ray Charles y Stevie Wonder, mientras que Billy Eckstine, un musico del circulo de Dizzy Gillespie y Charlie Parker, dio inicio al movimiento bebop en la voz, que tuvo otros notables representantes como Babs Gonzales, Earl Coleman, Kenneth "Pancho" Hagood y Joe "Bebop" Carroll, ademas del propio Gillispie. Jackie Paris llevo las aportaciones de los cantantes bop al terreno del cool, mientras que otros como Oscar Brown Jr., Johnny Hartman, Bill Henderson, Mark Murphy o Mose Allison continuaron explorando nuevos territorios.^[308]

Del ambito del bop surgio el vocalese, el arte de poner letra a solos clasicos grabados por conocidos musicos de jazz. Eddie Jefferson fue el primer artista en cultivar la tecnica, seguido por King Pleasure y Annie Ross, pero fue Jon Hendricks quien la llevo a su cuspide, tanto en su carrera en solitario como en el seno del grupo Lambert, Hendricks & Ross, junto a Annie Ross y Dave Lambert. En el terreno mas melodico y tradicional destacaron Bob Dorough, Joe Lee Wilson, Gil Scott-Heron, Lou Rawls, Ben Sidran y Tony Middleton, ademas del exitoso Frank Sinatra, que grabo con musicos como Count Basie o Tom Jobim, aunque una parte de la critica le considera fuera del ambito del jazz.^[309]

La musica de Brasil ejercio una notable influencia entre los musicos de jazz, y algunos de sus mas destacados interpretes fueron Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Edu Lobo, Gilberto Gil, Caetano Veloso y Milton Nascimento. Al Jarreau partio de influencias muy heterogeneas para elaborar un estilo muy personal caracterizado por el uso de la voz como un instrumento y por el enorme despliegue de timbres y sonidos --flautas, trompetas, percusiones, congas, contrabajos...-- que era capaz de ejecutar con su garganta. En la tradicion del soul y del pop sobresalieron James Brown, Otis Redding, Elrid Cleaver, Rap Brown, Marvin Gaye y, sobre todo, Stevie Wonder, quien en albumes como Songs in the Key of Life y Journey Through the Secret Life of Plants, compuso verdaderas suites dotadas de una gran coherencia interna, que resumian la tradicion de la musica negra, tal y como en su dia hizo Duke Ellington. Wonder no es solo un cantante, es tambien compositor y arreglista, toca casi todos los instrumentos que se pueden oir en sus discos y ademas domina las tecnicas de produccion musical, siendo uno de los primeros artistas capaces de utilizar el estudio como si fuese un instrumento mas.^[310]

Entre los cantantes de generaciones mas recientes cabe destacar al virtuoso Bobby McFerrin, uno de los mas personales y originales vocalistas de la escena contemporanea;^[311] a Kurt Elling, quien, influenciado por Mark Murphy, desafia toda categorizacion;^[312] Kevin Mahogany, un joven cantante de swing influencido por Joe Williams;^[313] y los aun mas jovenes Harry Connick, Jr. y Michael Buble, influenciados por Ella Fitzgerald y Frank Sinatra.^{[314] [315]}

El blues cantado por mujeres tuvo un inicio algo mas tardio que el masculino, en parte por el origen rural del estilo, un ambiente donde primaba el hombre. Cuando el blues comenzo a penetrar en las grandes ciudades, comenzo a cambiar tal tendencia, dando lugar a las primeras figuras femeninas de la era del blues clasico, como Ma Rainey o Bessie Smith, o las menos conocidas Bertha "Chippie" Hill, Victoria Spivey, Sippie Wallace, Alberta Hunter o Big Mama Thornton. Ethel Waters, Ivy Anderson, Mildred Bailey y --sobre todas ellas-- Billie Holiday interpretaban ya songs, canciones y baladas mas comerciales de compositores como Jerome Kern, George Gershwin o Cole Porter. Aunque Holiday canto blues solo ocasionalmente, daba ese aire a casi todas sus interpretaciones, que por otra parte se caracterizaban por una voz discreta, pero sensible, elegante y cultivada. Holiday fue la primera artista de jazz en que se sentia la influencia de los saxofonistas, la primera que impuso la cancion como tal en el repertorio de los musicos de jazz y tambien la primera en usar el microfono como si fuese un instrumento, trabajando con el sutilezas de la voz nunca oidas en otros cantantes contemporaneos.^[316]

La figura de Billie Holiday marco un hito en la historia del jazz, dando lugar a innumerables artistas que continuaron explorando sus hallazgos a lo largo de los anos. Otra figura de enorme importancia fue Ella Fitzgerald, tres anos mas joven que Holiday, y considerada por muchos criticos como la mejora cantante de jazz de todos los tiempos (un honor que algunos atribuyen a Billie Holiday o a Sarah Vaughan). Con un magnifico timbre y un amplio rango vocal, Fitzgerald poseia un swing dificil de igualar, fue una brillante interprete de scat y poseia una diccion casi perfecta. El unico defecto que se le atribuia era que no resultaba siempre capaz de profundizar en el significado emocional de las letras, pero ello no ensombrecio el prestigio y la admiracion que Fitzgerald cosecho hasta el final de su carrera, que tuvo lugar con 77 anos,y sus capacidadaes practicamente intactas.^[317]

Las cantantes mas importantes de las decadas de 1940 y 1950 surgieron de tres importantes circulos instrumentales de aquel periodo: del circulo de Woody Herman salio Mary Ann McCall; de la orquesta de Stan Kenton procedian June Christy y Anita O'Day; y del circulo bop de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Carmen McRae y Betty Carter. Sarah Vaughan fue la primera cantante de jazz en poseer un registro vocal similar al de una cantante de opera, fue una de las cantantes con mayor capacidad para expresar emociones a traves de su voz y esta considerada una de las mejores cantantes de su generacion. Carmen McRae es otra figura importante, tanto en cuanto a su personalidad artistica como a su decision a la horade ejecutar las melodias. Betty Carter, mas joven que las anteriores, obtuvo un reconocimiento tardio como una de las grandes figuras del bebop. Otras cantantes de esta generacion son Chris Connor, Jackie Cain, Dakota Staton, Ernestine Anderson, Lorez Alexandria, Helen Merrill, Carol Sloane, Nancy Wilson, Sheila Jordan, Abbey Lincoln y Nina Simone, estas dos ultimas destacables por su lucha por la igualdad racial.^[318]

Kay Davis y Adelaide Hall surgieron de la big band de Duke Ellington, quien utilizaba la voz en su orquesta como una especie de decoracion en conjuncion con el clarinete. En el lado opuesto tenemos a las cantantes que cultivaron el scat --improvisaciones vocales sin letra, una tradicion iniciada por Louis Armstrong--, entre las que se encuentran Anita O'Day, June Christy, Sarah Vaughan, Carmen McRae, Dakota Stanton, Jackie Cain, Annie Ross, Betty Roche, Betty Carter y, por encima de todas ellas, Ella Fitzgerald. Alberta Hunter provenia de la tradicion pura del blues, asi como Ruth Brown, LaVern Baker, Etta Jones y, sobre todo, Dinah Washington, apodada la Reina del blues. Janis Joplin, por su parte, llevo esta tradicion al mundo del rock, obteniendo una tremenda popularidad, mientras que Mahalia Jackson destaco como interprete de musica religiosa negra, al lado de Dorothy Love Coates, Marion Williams, Clara Ward y Bessie Griffin. De la conjuncion de este tipo de musica con el rock surgio el soul, donde destacaron Tina Turner, Diana Ross y la influyente Aretha Franklin, todas ellas figuras de gran importancia.^[319]

Entre las cantantes que han destacado en el mundo del jazz fusion hay que senalar a Phoebe Snow, Rickie Lee Jones, Bonnie Herman, Marlena Shaw, la neerlandesa Ann Burton (Johanna Rafalowicz), Jean Carn (o Jean Carne), Lorraine Feather, Gayle Moran (esposa de Chick Corea), Angela Bofill y, especialmente, Dee Dee Bridgewater. Judy Collins y Joni Mitchell, con raices folk, efectuaron algunas incursiones en el mundo del jazz, como el album Mingus (1979) de Joni Mitchell, en cuyos creditos figuran Jaco Pastorius, Don Alias o Michael Brecker, entre otras grandes figuras. Flora Purim, la esposa de Airto Moreira procede de Brasil, como Ellis Regina, Maria Bethania y Tania Maria. En el free jazz hay que senalar la aportacion de las estadounidenses Jeanne Lee, Lauren Newton y Jay Clayton; la noruega Karin Krog; las britanicas Norma Winstone, Julie Tippets (mas conocida por su nombre de soltera: Julie Driscoll) y Maggie Nichols; la francesa Tamia (Tamia Marilyn Hill; de soltera, Washington); la israeli Rimona Francis; y la grecoestadounidense Diamanda Galas. Todas ellas han extendido el concepto de usar la voz como un instrumento para introducir todo tipo de sonidos, risas, llantos y vocalizaciones en sus interpretaciones, llegando a usar las distintas partes del cuerpo --abdomen, craneo, pecho-- como instrumento.^[320]

De entre las muchas artistas que han surgido en las ultimas decadas en la escena del jazz contemporaneo cabe destacar a Natalie Cole, quien tras unos primeros pasos en el mundo del R&B urbano, paso al mundo del jazz con toques comerciales;^[321] a Cassandra Wilson, que se ha establecio como una de las principales figuras de la decada de 1990 con su distintiva voz y su gusto por la experimentacion;^[322] a Diane Schuur, una importante cantante de jazz a menudo en la periferia del estilo;^[323] a Patti Austin, con una carrera mas orientada al estilo jazz fusion;^[324] a Rachelle Ferrell, excelente pianista, violinista y arreglista, dotada ademas con una impresionante extension vocal de seis octavas y media;^[325] a Diana Krall, cantante y pianista de gran exito comercial;^[326] a Eliane Elias, quien inicio su carrera en el supergrupo de jazz fusion Steps Ahead y ha destacado tambien en el mundo de la musica clasica;^[327] o a Norah Jones, quien ha obtenido un notable exito comercial con su particular fusion de jazz, pop, blues y folk.^[328]

• Anexo:Apodos de musicos de jazz
• Dia Internacional del Jazz
• Estandar del jazz
• Jazz en Espana
• Musica del siglo XX
• Orquesta Nacional de Jazz de Francia
• Jazz contemporaneo
• Jazz hot
• Prueba de artes escenicas
• Third stream